EFECTO PLACEBO

Cuando enfermo y vivo largos días en cama pasan ante mis ojos todos los canales en menos de cinco minutos. Veo sin mirar. Sólo busco cansar mi vista para poder dormir y hacer que las horas corran más rápido.
En los días de reposo todo es mas sensible, el cuerpo y el alma. Uno toma conciencia de sí. ¿Será por que lo único que tenemos que hacer es descansar y nuestro tiempo de reflexión y meditación acrecienta abruptamente?
En estos días llegué a creer que hay películas que tienen un efecto placebo (El efecto placebo se define, como las modificaciones objetivas o subjetivas que se producen en el estado de un paciente al que se le ha administrado un placebo, es decir, un medicamento que, o bien no tiene actividad alguna, o bien no está indicado para el uso que el paciente cree.)
De chica cada vez que enfermaba mamá se ocupada de alquilar por varios días la película “Mary Poppins”. Hoy, con el correr de los años “Mary Poppins” fue deslizada al rincón de los recuerdos y ocupa su lugar la película “Little Miss Sunshine”
Película que ya había visto antes, pero cuando se está en reposo, se transforma en un medicamento más de los tantos que estás tomando.
Me hace bien, me alivia el alma, el dolor, me hace compañía y se queda dando vueltas en la cabeza por varias horas, lo cual me hacer autoconvencer de que estoy ocupado.
“Little Miss Sunshine” es una película estadounidense del año 2006, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris. La película ganó el Oscar al mjor actor de reparto con Alan Arkin y Oscar al mejor guion original y fue candidata al Oscar a la mejor pelicula.
El argumento de la película trata del viaje que Los Hoover deben realizar a California para presentar a su hija Olive (Abigail Breslin) a un concurso de belleza llamado Pequeña Miss Sunshine. Durante el largo viaje las personalidades de los miembros de la familia salen a flote y se ven los problemas que surgen gracias a ello. Cotidianidad, relaciones familiares es lo que nos muestra el viaje en la furgoneta Volkswagen amarilla donde se dan cita el abuelo de Olive y padre de Richard (Alan Arkin) quien ayuda a Olive con el concurso, el tío Frank (Steve Carell) profesor experto en la obra de Marcel Proust que se recupera de un intento de suicidio tras ser abandonado por su novio, y el hermano de Olive, Dwayne (Paul Dano) fanático de Nietzsche quien realiza un voto de silencio hasta ingresar en la Fuerza Aerea de los EEUU
Un amigo a quien le agradezco por el ánimo que da con sus palabras, me dijo hace poco: quien dice que podamos hacer algo por alguien que en algún lugar este buscando algún tipo de aliento, siendo el arte más sanador y salvador, a mi entender y experiencia, que la religión.
A todas las personas que se encuentren en reposo, un consejo: Busquen aquella película que ayude aliviar su dolor. Ojalá mi experiencia los ayude en la búsqueda.

“Un hombre cuenta sus historias tantas veces que al final él mismo se convierte en esas historias. Siguen viviendo cuando él ya no está. De esta forma, el hombre se hace inmortal”.

Dos acontecimientos importantes y significativos en mí como la muerte de unos de mis peces con el que llevaba horas de contemplación y la celebración del día del padre me conducen a escribir sobre esta película, este domingo.
“El gran pez” (2003) es una película de Tim Burton totalmente alejada de su estética gótica que lo caracteriza. La película cuenta la historia de un hombre querido por todos, Edward Bloom (interpretado en diferentes momentos de su vida por Ewan McGregor y Albert Finney) que siempre tiene una historia a mano que supera todos los límites de la realidad. Historias que fue enriqueciendo en cada versión. …“Fue aquella noche cuando Carl encontró su destino, y yo el mío… casi. Dicen que cuando conoces al amor de tu vida el tiempo se detiene… y es verdad. Lo que no dicen es que cuando se vuelve a poner en marcha, lo hace aún más rápidamente para recuperar lo perdido”.
Toda su vida parece haber transcurrido en una dimensión paralela, en un mundo distinto al nuestro, algo que todo el mundo acepta y escucha pero que no entra en la cabeza de su hijo (Billy Crudup), quien harto de las historias de su padre y de su afán para llamar la atención, termina enemistándose con él. No se hablaron durante tres años pero cuando la salud de Edward sufre una recaída, su hijo decide volver a su hogar no sólo para acompañarlo en sus últimas horas, sino también para averiguar la verdad de todas sus historias.
“El gran pez” nos permite reflexionar sobre el arte de la narración oral y las transformaciones por la que pasan las historias a lo largo del tiempo. La película nos hace recordar a las historias trasmitidas por nuestros padres durante la infancia, esas historias exuberantes, en las que no hay grises y todo es extremo. Historias que se quieren escuchar una y otra vez, pero la infancia termina, los requisitos hacia los padres son otros y siguiendo nuestra fastidiosa lógica, los cuestionamientos no tardan en llegar. Los padres dejan de ser la única referencia con respecto al mundo exterior y uno empieza a hacerse su propia idea del universo. Es lo que le pasa al hijo de Edward Bloom, quien necesita que la figura de autoridad del padre no se diluya en un montón de historias fantasiosas. Lo que no entiende su hijo es el mundo fantástico que Bloom se ha inventado es más luminoso, más colorido e interesante que ése en el que ha vivido de verdad, que su padre prefiere la ficció ates que la total realidad. Y la obstinada indagación de Willy sólo lo llevará a descubrir que el muro que separa la realidad de la ficción es muy permeable.
Gracias por todas tus historias papá.

FREAKS

Les quiero comentar este domingo sobre una película que fue prohibida en varios países por las monstruosidades que en ella se veían.
Es la única película en la historia de Hollywood que tiene como prólogo una disculpa por la productora diciendo que gracias a los avances de la tecnología, no se verán más fenómenos como los que muestra la película.
"Freaks" es una película filmada en 1932, producida por el más grande de los grandes estudios (MGM); producida por su productor estrella, Irving Thalberg y dirigida por uno de los directores más valorados en ese momento: Tod Browning. La historia muestra la vida de un grupo seres humanos con deformidades (los "Freaks" del título) que viven en un circo itinerante. En ese marco de feria se desarrolla una trama melodramática en la cual dos personas de constitución física "normal" intentan humillar y estafar a uno de dichos "fenómenos" – lo que desbocará en una brutal venganza por parte de los "freaks".
La particularidad de esta película es que como actores se apeló a seres humanos con deformidades y malformaciones naturales - sin recurrir a efectos de maquillaje o especiales. Esta cualidad hace única la película y permite efectuar una serie de reflexiones sobre el cuerpo y la deformidad. ¿Es aceptable la manipulación del cuerpo en el arte?
Me gustaría poder hacer aquí una comparación con la película "The Cost of Living" de DV8 que comenté aquí hace unas semanas.
En aquella David, el bailarín sin piernas, es interpelado y humillado por un videasta que le pregunta insistentemente sobre todas las dificultades que puede tener para desenvolverse en un mundo hecho para la gente con dos piernas. Si bien David responde con altura, la mayor respuesta la dan sus amigos bailarines que efectúan una danza desplazándose casi exclusivamente con los brazos, como si no "tuvieran piernas". Lo que quiero destacar es que mediante esta danza David es integrado, a pesar de su incompletad, en el mundo de los que tienen dos piernas. David es uno de los hombres de dos piernas. David es "uno de nosotros".
Pero los freaks saben que nunca van a ser como los seres humanos de "organismo normal" y en el fondo hay una consciencia de que podrán ser tolerados pero nunca aceptados. No buscan la integración. No buscan ser "uno de nosotros" porque ya son "uno de ellos".
De la misma manera que los freaks en su individualidad utilizan estrategias particulares para realizar eficazmente diversas tareas que serían extremadamente sencillas de efectuar por un ser humano de "organismo completo", en tanto grupo, también están completamente inmersos en el mundo a partir de la consciencia de su otredad corporal.
Esta noción de grupo lleva a abrir una reflexión que excede los límites de este artículo pero no deja de causar gran curiosidad: Ese grupo no solo tan unido sino tan consciente de su unidad. ¿No puede también ser entendido como un organismo en el sentido más biológico del término?

“THE COST OF LIVING”

Esta es la parte que más me fascina, cuando no tengo nada en mente y de repente se aparece en la pantalla una foto de algo que me encantaría mostrarles.
Algo que me dejó totalmente atónita (y eso que lo vi en un tv 21´ a 10 metros de distancia, sentada en el frio piso de la Facultad de Filosofía y Letras.
Dura 34 minutos pero queda repercutiendo en uno por mucho más que eso.
No es cine. No es teatro. No es danza. No es música. Es el resultado de la combinación de estos elementos que muestran una nueva forma de hacer arte. Una producción de las manifestaciones artísticas que entrelazadas evidencian el lenguaje a través del cuerpo.
“The cost of living” es una producción de DV8 una compañía inglesa que, disconformes con todo lo que se venía proponiendo en el campo de la danza contemporánea crearon esta propuesta que ellos denominan “Teatro físico”, algo que se conoce como una rama del llamado teatro contemporáneo, en el cual destaca el lenguaje físico como principal motor de la dramaturgia del espectáculo teatral, por sobre el texto y la narrativa, predominantes en el teatro tradicional de occidente. (Esto puede vincularse con la teoría de la actuación de Grotowski, quien se basa en la corporalidad del actor por sobre todo.) DV8 surge en 1986 y está dirigida por dirigida Lloyd Newson bailarín y coreógrafo.La cátedra de Teoría General del Movimiento lo categoriza como video-danza. Yo no lo pude categorizar, y creo que este es el punto que hay que destacar: cuando algo te deja sin palabras, cuando sólo se lo puede definir por lo que no es.
El mediometraje trata de dos personajes: David y Eddie, dos artistas callejeros que luchan por arreglárselas en un pueblo junto al mar. Eddie es duro y no tiene miedo a defender sus convicciones. David es un hombre temerario, determinado a no dejarse obstaculizar por sus desventajas físicas o los prejuicios de los demás. Vamos siguiendo sus dificultades mientras trabajan, discuten, viven romances y rompen viejas amistades.
DV8 revela una manera no convencional de aproximarse al movimiento. Una forma de mostrar la alienación del cuerpo y el borramiento que se produce en la vida cotidiana Expresa la conciencia que tienen los personajes de la imagen con la que se presentan ante el resto
Hay una secuencia donde un personaje comienza a bailar cada vez desenfrenadamente dejándose llevar por la música donde nos muestra la destructuración del cuerpo, el movimiento y el gesto. “El gesto es al movimiento lo que las palabras al lenguaje”. Una analogía que permite mostrar la importancia del gesto en el lenguaje corporal dado que por el cual se manifiesta todo lo interior. Se expresa a través de los gestos que son a su vez lo que conforman el movimiento.
Aunque no me resulte fácil poner en palabras lo que se siente y se ve frente a una obra de arte como es “The cost of living”, espero que se entienda a través de estas líneas.
Se puede ver por internet, pero si no lo encuentra me encargo de acercarle una copia.

El nacimiento del teatro Occidental

El teatro nace en Grecia gracias ceremonias religiosas que se hacían en honor a Dionisio con el canto del ditirambo realizadas tres veces al año para las fiestas Dionisiacas.
En función a la riqueza de cada demo, las ceremonias podían presentar desfiles con danzas y cantos para la celebración del culto a Dionisio.
Los participantes llevaban trajes de fiestas muy coloridos, una corona religiosa y una máscara para el desfile del primer día de la fiesta. Los actores eran sagrados y se consideraba sacrilegio a todo delito cometido durante las Dionisiacas.
Las fiestas Dionisiacas comenzaban con un desfile, el Proagón, durante el cual los poetas, actores, bailarines y cantantes eran presentados a la multitud. Durante la procesión la estatua de Dionisio era sacada del templo y conducida al teatro donde se instalaba solemnemente. En las grandes Dionisiacas se cantaba el ditirambo por parte del coro y es en realidad, con la aparición del primer actor es que nace el teatro occidental propiamente dicho. Se dice que fue Tespis el que inventó el actor, el primer actor. Con Esquilo aparece el segundo y con Sófocles el tercero. Es fácil suponer que de Tespis a Sófocles crezca la parte de la acción y disminuya las funciones del Coro. El Coro tenía funciones de plegarias, invocaciones, oraciones; procesiones y ofrendas; funciones narrativas al servicio de la acción. Se componía de doce a quince coreutas para la tragedia y de veinticuatro para la comedia. Tenía acompañamiento musical y una métrica distinta a la de los actores Se dice que el Coro era el observador ideal dentro de la obra. Para Barthes el coro obligaba al público a una meditación lirica e intelectual al mismo tiempo.
El edificio teatral era completamente distinto a nuestra concepción actual del mismo. No era una sala cerrada y cubierta donde se podían realizar representaciones a toda hora. Era un edificio al aire libre, donde las representaciones sólo eran posibles en pleno día y cuando la temperatura lo permitía.
Estaba conformado donde sería actualmente la parte del escenario, por: la Orquestra que era una explanada circular sobre la que evolucionaba el coro y los bailarines. Formaba siempre un círculo completo, donde en el centro del área se levantaba generalmente un altar en honor a Dionisos
Hablo del Dios expuesto y del Dios oculto porque no existía la actual frontera entre realidad y ficción sino que se daba una barrera entre el Dios oculto y el Dios expuesto que se manifestaba a través de los actores en la representación o se hacía presente desde la Skené o por su ubicación en el altar de la Orquestra.
El lugar del Dios oculto era la Skené, una construcción baja, detrás del Proskenion (lugar donde se encontraban los actores) difícilmente asimilable a nuestros bastidores. A pesar de que la palabra siempre sea traducida como escena, Skené primero significó carpa y luego carpa sagrada, dado que a veces la fachada exterior está provista de un pórtico de columnas, que asegura un refugio a los actores en caso de lluvia.

Creo que “Edipo Rey” de Sófocles, es un buen punto de comienzo si le interesa indagar sobre el teatro griego. Se ve claramente la composición de la tragedia, la función del coro y la evolución del personaje, que comienza viviendo una situación de supuesta felicidad y por cometer un acto de soberbia, de desmesura, se produce el error y se desencadena la tragedia. Lo cual lleva al lector a sentir compasión y temor lo que origina la purificación del alma, es decir la Catarsis, que es el propósito de la tragedia.
Woody Allen tiene un film,“ Poderosa Afrodita “ de 1995, por la cual se puede explorar el mundo del teatro en Grecia pero mediante el cine y una problemática actual en la cual el protagonista se vuelve involucrado. Una historia similar a la que vive Edipo pero con sus diferencias.

Emir Kusturica

Emir Kusturica es un director serbio que se destaca por el estilo único de sus películas. Él finalizó sus estudios en la Academia de Artes Interpretativas de Praga (1978) donde comenzó con su carrera cinematográfica. Luego de algunas de sus películas como “Guernica” y “Cuando mi padre salió de viajes de negocio”, ambas con reconocimientos en distinguidos festivales rodó “Tiempos de gitanos” (1989) una de aquellas que a uno lo dejan atónito, una aguda pero mágica mirada de la cultura gitana y la explotación de sus jóvenes. Donde muestra desde lo cotidiano, los lazos que se entrecruzan entre el poder, la ambición, la familia, el amor y el deseo ascender socialmente dentro de esta cultura.
Kusturica siguió realizando grandes películas dentro de la siguiente década, incluyendo su debut en Estados Unidos con una comedia absurda como es “Sueño de Arizona” (1993). Luego de dos años rodó “Underground” con la cual ganó la Palma de Oro en 1995. La película se centra en la historia de Yugoslavia desde el inicio de la Segunda Guerra mundial hasta la guerra de los Balcanes, iniciada en la década de los noventa. Una película de unas tres horas, un trama excelente. Esta película supone una revisión crítica, en tono satírico y tragicómico, de un sistema político y de la identidad de un pueblo. Un relato sobre la ambición y la dignidad, el sentido de la historia o las fronteras que separan la realidad de la ficción.
"Gato blanco, gato negro" es una prolongación de "Tiempo de gitanos" y de la ya antes mencionada "Underground". Es una mezcla de comedia y de drama sin solución de continuidad, que hace recuento del pasado y toma el pulso a esos nuevos tiempos en los que sus personajes viven mejor cuanto peor funciona su entorno, auténticos reyes de la marginalidad, timadores timados en una civilización en la que ya no quedan puntos de referencia y los hasta ahora existentes se convierten en sus iguales en el arte del trueque y del regateo.
Este director serbio fue quien eligió a nuestro Dios, Diego Armando Maradona, para realizar una película sobre su vida. Es raro que un serbio escriba sobre realidades argentinas, pero les aseguro que es una película que vale la pena volver a mirar una y otra vez.
Hoy en día anunció que creará una ópera-película basada en la famosa novela "El puente sobre el Drina", del premio Nobel yugoslavo Ivo Andric. Kusturica declaró en Mokra Gora que esa novela "es la esencia de nuestro pasado, actualidad y futuro", y que su idea es "traducirla" al idioma de ópera y película.
Un dato extra y esencial es que Emir Kusturica es parte de una banda “The no smoking orchestra”, encargada de las bandas sonoras de sus películas y con la cual visitó Argentina a fines de 2008, en donde brindó un espectáculo alucinante.
Las películas de Kusturica, les aseguro, son un fluir de imágenes sobrecargadas que quedarán para siempre grabadas en la memoria.

Feriado para la reflexión.

Se conoce como Revolución de Mayo a la serie de eventos que sucedieron en mayo de 1810 en la ciudad de Buenos Aires, por aquel entonces capital del Virreinato de Río de la Plata, dependencia colonial de España. La Revolución de Mayo inició el proceso de surgimiento del Estado Argentino sin proclamación de la independencia formal, ya que la Primera Junta no reconocía la autoridad del Consejo de Regencia de España en Indias, pero aún gobernaba nominalmente en nombre del rey de España Fernando VII.
Los acontecimientos de la Revolución de Mayo se centraron en una semana conocida como la Semana de Mayo, transcurrida entre el 18 que fue cuando se confirmó de manera oficial la caída de la Junta de Sevilla, hasta el 25 de mayo.
Antes de comenzar a explorar la relación de este acontecimiento con la producción artística nacional, quiero destacar la magnitud y lo que significó para todos los habitantes del territorio argentino que se produjese la revolución.
La historia de la humanidad distingue tres tipos fundamentales de formas de explotación del hombre por el hombre: la esclavitud, el feudalismo y el capitalismo. El Virreinato es un feudalismo adaptado a América que se instauró después de 1492 después del “descubrimiento” de América.
Depende de que punto de vista, la llegada de los españoles puede ser un progreso o un genocidio, si tenemos en cuenta que la conquista significó la destrucción física de la mayoría del pueblo indígena, además de las enfermedades o epidemias fue una verdadera desestructuración social, familiar y cultural. Aunque algunos pueden ver la conquista como un “encuentro de culturas”, que en los hechos significó la aniquilación de pueblos y naciones americanas. Tomando a Azcuy Ameghino lo considero como una verdadera catástrofe demográfica.
La conquista fue en primer lugar un robo, saqueo, de todas aquellas riquezas palpables de los pueblos americanos, y en segundo lugar, luego del “descubrimiento” y en base a los derechos de la conquista comenzó la repartición y explotación de las tierras. Creo que en el día de la fecha debemos además de descansar, reflexionar sobre estos sucesos y hacer notar la importancia que tuvo la Revolución en nuestra conformación como Estado Nacional.
Pasaré a hora a comentarles que la ideología dominante impone un modo de producción y precede de una mentalidad generada por un contexto histórico. Los acontecimientos nacionales siempre se ven plasmados y reflexionados en el arte y forman parte del contenido de la obra. La conquista dio como resultado una gran producción artística por parte del cine mexicano y la protección de todo el patrimonio Maya, Inca y Azteca.
Con respecto a la Revolución de Mayo, al cumplirse los primeros cien años, se tuvo la necesidad de plasmar los sucesos en las diversas manifestaciones artísticas.
Podría citar miles de cuadros, obras teatrales y música en relación a los hechos de la Semana de Mayo, pero decidí elegir dos. El más popular y aquella que hasta el día de hoy no conocía.
El cuadro del pintor chileno Pedro Subercaseaux “Cabildo abierto del 22 de mayo de 1810” realizado en 1908 (la típica figurita de Billiken) refleja lo acontecido aquel día de mayo desde el punto de vista de un extranjero.
Por otro lado navegando por internet encontré una película muda titulada “La Revolución de Mayo” realizada en 1909 por el director Mario Gallo, un italiano pintoresco que había llegado a la Argentina en 1905. Era entonces director de coros de un elenco de operetas y no imaginaba que su vida tomaría nuevo giro debido al cine Él fue el primer realizador de ficción en la Argentina y su primera película fue “El fusilamiento de Dorrego”, (1909). Tras esta producción siguieron una serie de trabajos de carácter histórico como La “Revolución de Mayo” (1909), primer filme de ficción con actores profesionales estrenado en 1910, y “La Batalla de Maipú” (1912)
¿Qué sucederá para el bicentenario?

BRASIL
Qué mejor que conocer el mundo a través del cine? Sí, es raro conocer la realidad a través de la ficción pero en mi experiencia personal, fue una de las mejores maneras para conocer el mundo y otras culturas y vivencias
Elegí para “recomendar” este domingo dos películas brasileras basadas en hechos reales: “Ciudad de Dios” y “Carandiru” ambas de 2003. Fuertes, donde uno se quiere tapar los ojos constantemente para no ver lo qué sucedió. El cine nos permite adentrarnos de una manera interesante dentro de una favela en Rio de Janeiro en los años 60 y en una de las más grandes prisiones que existieron en San Pablo en la década del 90.
"Ciudad de Dios" es un drama criminal dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund. Es una adaptación de la novela de Paulo Lins, (1997), quien se basó en una historia real para la redacción de su novela. La película se centra en la guerra que se desencadena entre Zé Pequeño y Mané Galinha en el territorio brasileño al que llamaban Ciudad de Dios.
La frase que identificó a la película fue: "Lucha y nunca sobrevivirás... Corre y nunca escaparás...". Hay algo que destacar: muchos de los actores fueron residentes de favelas como Vidigal y la misma Ciudad de Dios.
La película comienza en los años 60, cuando jóvenes como Dadinho y Bené son pequeños delincuentes en la favela. La película cuenta el desarrollo de la vida de Buscapé (Cohete) en Ciudad de Dios hasta los años 80.
Con respecto a “Carandiru” se trata de una de las penitenciarías más grandes que hubo en San Pablo con celdas superpobladas, instalaciones decadentes, enfermedades como la tuberculosis y comienzos de la epidemia de SIDA. Los presos no tienen acceso ni a cuidados médicos ni a asistencia legal. Carandiru albergaba más de siete mil prisioneros.
La historia tiene como punto de partida una cuanta que saldar dentro de una de las celdas entre dos presos; Lula y Dagger. Otro preso, Black Nígger, interviene mediando la disputa entre los prisioneros. El “juez” autoproclamado resuelve el caso a tiempo de dar la bienvenida al nuevo Doctor, encargado de comenzar un programa de prevención del SIDA en la penitenciaría.
La película se cuenta desde el punto de vista de un médico que hace visitas regulares a la Penitenciaría. Mientras el médico trata a los prisioneros escucha cientos de sus historias, sobre amor y pasión, crimen y amistad. Relación que va creciendo con el pasar de las visitas donde se ven las experiencias por la que pasa el “Doc” que, tras trabajar allí durante unos meses descubre algo que le transformará: los reclusos, incluso en esta detestable situación, no son figuras demoníacas. En el contacto diario con los prisioneros en su improvisada oficina, el Doctor es testigo de la solidaridad, organización y, sobre todo, las inmensas ganas de vivir. Relación que termina con una masacre en el año 1992 que se llevó 111 muertos.
Anímense, disfruten de la atmosfera tensa que se vive conociendo historias brasileras en cada segundo de estas películas.

TIEMPOS MODERNOS

Lo que nos diferencia de los animales es la capacidad de producir nuestros medios de vida, nuestra vida material, que es lo que manifiesta lo que somos concretamente. Utilizamos nuestras fuerzas de producción para la satisfacción de necesidades básicas, que en cuanto se satisfacen, surgen nuevas necesidades originadas gracias al mundo en el que vivimos.

Para lograr acumulación de capital, para generar así mayor producción se implementaron distintos métodos. Entre ellos la división del trabajo. Gran hallazgo del capitalismo
En “Tiempos Modernos” Charles Chaplin en una producción increíble de 1936 nos muestra claramente cómo funciona esta división del trabajo entre lo intelectual y lo manual y cómo se produce la alienación del hombre bajo el sistema Taylorista.
Charles Chaplin interpreta a un obrero, cuyo trabajo consiste en atornillar dos tuercas a la vez a gran velocidad, la cual no lo deja ni siquiera sacarse una mosca de la cara porque pierde el ritmo de trabajo. Esto le produce un tic nervioso que lo hace llegar a la locura. Comienza a ejecutar la acción dentro y fuera del trabajo con objetos y personas. Por esta razón es llevado al manicomio. Cuando sale, debido a una confusión le toman por líder comunista de una manifestación y es encarcelado. Al recuperar la libertad, un ministro le consigue un trabajo en un barco, pero el primer día, hunde un barco y se hace detener para volver a la cárcel, donde se encontraba más seguro, que viviendo libremente. En su camino a la cárcel choca con una joven huérfana y después de varios encontronazos, decide empezar a trabajar para poder irse a vivir con la chica. Le dice a ella que ya ha encontrado una casa para los dos. Al finalizar encuentra trabajo en una fábrica, y tiene la esperanza de poder encontrar una casa mejor. Los obreros de la fabrica se ponen en huelga y en la manifestación Charles vuelve a ir preso.
El final de la película, es un característico final “feliz” de esos tiempos, que nos muestra la otra cara del capitalismo, donde triunfar se convierte en otra típica historia de la cultura de masas.
Existe otra forma de vender nuestras fuerzas productivas. Que el primero de mayo no sea un feriado dominguero sino un día de conmemoración a todos aquellos compañeros que fueron asesinados por defender sus derechos y de reflexión acerca de nuestra situación actual como trabajadores.

Le fabuleux destin d´Amélie Pourlain
Lo menos importante de esta película, les aseguro, es el argumento. A tal punto que podría relatarse toda la historia, cada una de las pequeñas historias que componen el relato, y hasta adelantar el final que la película no perdería nada de su encanto. Les voy a contar de una película que es realmente hermosa, de aquellas que te hacen sentir el alma, aquellas que uno puede ver y ver infinitamente hasta la vejez.
“Amélie” (El fabuloso destino de Amélie Pourlain) de Jean-Pierre Jeunet, se trata de un film que como bien dijo su creador “ fue concebido para dar felicidad a la gente".
“Amélie” fue estrenada en el 2001.Es una película poética y donde la magia se encuentra en el corazón de los personajes más que en sus actos.
Si existe algo que se destaca en “Amélie” es el valor de las pequeñas cosas, esos pequeños placeres de lo cotidiano a los que a veces no se presta la suficiente atención. Esos placeres que ya no disfrutamos porque estamos ocupados buscando aquellos que no están a nuestro alcance cotidiano. Por eso cada nuevo personaje que entra en la escena es precedido por una descripción de las cosas que le gustan y desagradan. Pequeñas cosas, que de alguna manera componen al personaje. Porque son en realidad esas pequeñas cosas lo que nos constituye como persona. Todo está en los pequeños actos. No hace falta más para descubrir la verdad de las cosas. La fantasía, o mejor dicho, la capacidad de fantasear es otro de los valores que se destacan en “Amélie”.
Otro aspecto que me gustaría destacar de la película, es su carácter metafórico. Todo el tiempo las metáforas adornan la escena. Y además hay que resaltar la importante composición del personaje que hizo Audrey Tautou (la actriz que interpreta a Amélie) que con sus gestos y miradas le da un carácter muy especial al personaje, sobre todo cuando mira directo al foco de la cámara, como buscando la complicidad del espectador e invitándolo a entrar a su mundo.
No me quiero exceder en elogiando a la película pero no dejen de prestar atención a la excelente banda sonora de la película realizada por Yann Tiersen y los romanticos paisaje de Paris.
“Amélie” es como el cuento de Antoine de Saint Exupéry “El principito” donde desde la inocencia de sus personajes nos enseña a ver el mundo desde otro punto de vista, que a su vez, el mismo va cambiando dependiendo de nuestra edad y el rumbo que le otrgamos a nuestra lectura. Esto también es algo que se da en el arte. La capacidad de estando frente a un objeto una o más personas, poder ahcer de éste múltiples lecturas. La subjetividad hace al arte, a la película, al libro.
Y como en este caso, quiero hacer que mi fascinación por “Amélie” llegue a todos ustedes para que de algo tan subjetivo surja una aparente objetividad. Que es lo que surge con todas las Obras de Arte.
Hago un paretesis aquí. No quiero dejar fuera del articulo otra de las películas de Pierre Jaunet:”Delicatessen” (1991) donde se ve claramente el gusto por las situaciones y los personajes extravagantes y la importancia de la estética donde la armonía y disonancia se entrelazan de manera tal, que da como resultado verdaderas obras de arte provenientes del cine.
Es algo fabuloso a las dimensiones a la que llega el arte en la época de la reproductibilidad técnica.