CINE Y RELIGION

Me gustaría destacar esta semana cómo el cine se apropia de la religión como herramienta para la trama de ciertas películas. En realidad, me gustaría poder mostrar como el cine se nutre de la fe originada de determinado grupo social perteneciente a la religión Cristiana Católica Apostólica Romana, para la producción de películas.
La vida, la muerte y la resurrección de Cristo son utilizadas con un fin religioso para expresar la vida y el sufrimiento de Cristo o como mero contenido de un film. Me pregunto entonces: ¿la religión se apropia del cine, o el cine de la religión, o es que existe realmente una retroalimentación entre estos fuertes componentes sociales como lo son el arte y la religión?
Aquellas películas que están sujetas a temas religiosos como “El código da Vinci”; “Estigma”; “La pasión de Cristo” tuvieron éxito gracias a la fe de los enunciatarios de la película, más que por la composición y producción artística realizada por el enunciador. El “éxito” de este estilo de películas está prácticamente centrado en la fe de su público. El “éxito” es exterior a la película.
Recuerdo haberme negado a ir a ver “La pasión de Cristo” porque no era una película que me llamase la atención dado que no creía ni en Cristo, ni en todo lo que mostraba la película. Terminé yendo. Los comentarios de mis compañeros creyentes me movilizaron hacia la puerta del cine. No sentí nada más que impresión por la cantidad de sangre que corría por la pantalla. Ahora entiendo que películas de ese estilo no hubiesen sido lo que fueron sin el nutriente esencial como es la fe de su público. (y la publicidad masiva que se le hace por parte de las instituciones).
Otro punto que me llama la atención es que el Cristianismo utiliza al cine como herramienta de educación, dado que hay películas animadas para chicos desde la creación hasta el Nuevo Testamento, y cada año surgen nuevas películas bíblicas, de estilo documental, mostrando con total convicción la verosimilitud de los hechos. Aquí queda reflejado claramente cómo la religión se apropia de un arte masivo para llegar a sus fieles. Esto es exactamente lo mismo que ocurría en el Renacimiento, donde la religión utilizaba a la pintura, la escultura como medio para llegar a la multitud de fieles que no sabían leer. Los vitrales, las estaciones del Vía Crucis son ejemplos concretos para mostrar esta apropiación del Arte por parte del Cristianismo para alcanzar la masividad que tiene hoy.
Es muy contradictorio lo que sucede en la actualidad con respecto a las representaciones religiosas dentro de las artes plásticas. El Cristianismo es tema de polémicas diversas y contradictorias en el arte contemporáneo.
La decisión final sobre esta relación que se da entre el cine y la religión está en cada uno de nosotros ¿La religión subordina al cine o este es subordinado a la religión? Yo solamente me quería encargar de plantear la inquietud.
Felices Pascuas a todos los creyentes. Amén.

TRIBUTO AL SÉPTIMO ARTE

Pensaba escribir para este domingo un tributo a Igmar Bergman pero con el paso de los días, todo se volvía algo inestable, entonces retrocedí y opte por hacerle un homenaje al cine y a sus pioneros, aquellos que sentaron la base de ese séptimo arte incipiente. Aquellos que fueron el cimiento para que directores como Bergman pudieran explorar el magnífico mundo del cine
Historiadores y teóricos del cine están de acuerdo en considerar la época de los pioneros (aproximadamente desde 1895 a los primeros diez años del 1900) como una fase de descubrimiento y definición de una técnica reproductiva. La técnica de filmación era frontal, sin articulación de planos ni variación de ángulos, lo que es llamado habitualmente como un modo de representación primitivo (MRP). El descubrimiento de la técnica fue esencial para el desarrollo de lo que vendría luego. Mi agradecimiento eterno a los Hermanos Lumiére, a Mélies por su interés en indagar sobre las posibilidades que podían establecer una cierta cantidad de fotogramas dentro de la linterna mágica. Y con ellos comienza una gran cadena de agradecimientos que continúan hasta el día de hoy.
A partir del descubrimiento de la técnica, aparece en la década de 1910, David W Griffith, el nombre que le dio forma a los procedimientos técnicos. Fue quien realizó una organización lógiconarrativa de los planos, permitiendo hablar así de un nacimiento del lenguaje cinematográfico, para poder mostrar otras de las tantas posibilidades que ofrecía el cine. Ya no sólo se mostraban imágenes, sino que se contaba una historia. Naturalmente, el cine llegó a estos resultados no sólo al trabajo de Griffith: fueron necesarios el trabajo, la dedicación y la experimentación de muchos, consiguiéndose así diversos resultados parciales que, convirtiéndose en patrimonio común, aceleraron la formación de un nuevo lenguaje. Mi homenaje a ellos que sentaron la forma de un modo de representación institucional (MRI) que luego iría a ser interceptado por las Vanguardias Históricas.
En Europa a partir de la década de los años diez, y con mayor intensidad durante la década de los años veinte, se desarrolló una compleja interacción entre cine y vanguardias artísticoliterarias que dio como resultado una nueva forma de hacer cine.
Quiero citar en este humilde articulo a la película “El gabinete del Dr. Caligari” (1919) de R Wiene que basado en una estética expresionista logró crear una estilo único que se conoce como expresionismo alemán. “El acorazado Potemkin” (1926) de Eisenstein muestra la elaboración de una especie de gramática de la comunicación visual basada esencialmente en el montaje, los cineastas rusos participaron en un movimiento político que creía en la posibilidad de liberar el arte de las condiciones de incomunicación y aislamiento en que lo había colocado la cultura burguesa, para convertirlo en uno de los elementos propulsivos de una nueva sociedad. Eisenstein creía que su rigurosa planificación desde el montaje podía influir en la mente del espectador, lo que se llama teoría del montaje intelectual.La técnica- la imagen- el silencio- la narración- la vanguardia, palabras esenciales que ayudan a mostrarnos todo lo que podemos ver hoy.
Si usted ya tomó parte de su tiempo para leer el artículo y llegó hasta este párrafo, tómese unos minutos o si quiere unas horas o el tiempo que lo desee e indague sobre lo que le estuve comentando. En internet y en unos pocos minutos, gracias www.youtube.com (También en algunos de los video clubs de la ciudad ) puede explorar el nacimiento del cine, el trabajo de sus pioneros y la realidad que ellos procrearon..Le aseguro que lo que va a ver es fascinante. (No me hago cargo de las posibles adicciones)
Infinitamente agradecida, rindo un homenaje al arte que se apropió de mis días.

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“Infinita tristeza late en mi corazón/ infinita tristeza escaldada pasión/ infinita pobreza tu sombra en la pared/Infinita tristeza viento de Washington”
Manu Chao

Creo que este artículo no merece un título. Iba a escribir sobre este tema el 24 de marzo, con respecto al comienzo de la dictadura militar de 1976 pero me pareció una pavada hacer eso. Eso es lo que pasa siempre, hay determinados temas de lo que sólo se habla en determinadas ocasiones, en fechas dedicadas a su conmemoración. La semana pasada sentada en el piso de la facultad volví a ver colgada una foto de Julio López, dos días más tarde en el trabajo un compañero llevó un panfleto sobre la reconstrucción del centro clandestino de tortura, “El atlético” y el jueves vino Manu Chao a refrescarme los pensamientos con su visita por Buenos Aires, demasiados motivos para que hoy escriba sobre nuestra realidad.
Estaba en pleno recital de Manu Chao cuando de repente reaccioné por un tema que cantó, que a pocos metros donde nos estábamos divirtiendo nosotros había funcionado un centro clandestino (la ESMA)y como consecuencia me sentí mal, con una impotencia y un rencor impresionante y me sentí aún peor cuando recapitulé que es siempre mediante alguna manifestación artística cuando yo reflexiono sobre la realidad. Son las únicas que me ayudan a no olvidar en qué sociedad estoy viviendo. Las únicas que me ayudan en mi lucha por no convertirme en una joven burguesa preocupada porque no llegó a comprarse nada esta última liquidación.
Me tuvieron que robar dos nenes en pleno centro porteño para empezar a ver a todos los chicos que, como sociedad, fuimos abandonando permitiendo que duerman en las calles y que se droguen porque no pudieron conseguir un techo o algo para comer. Les impusimos ese lugar desde que nacieron. Dejamos que se eduquen en la calle y que mueran por la droga.
Tuvieron que suceder cosas como la desaparición de Julio López, cuando ya creía que vivíamos en una sociedad libre de asesinos, se tuvo que producir una amenaza de bomba en el museo MALBA que no dejó que se estrenara la película “Gaby, la montonera” sobre la historia de la dirigente de Montoneros Norma Arrostito, protagonizado por Julieta Díaz, donde la proyección fue interrumpida por la Policía después de mencionar , según fuentes de la organización, una serie de "desperfectos técnicos" que impedían su continuidad.
Otra vez más me desilusiono. Me engañaron. Yo misma me engaño creyendo que la represión ya terminó. El pasado está más presente que nunca. Ellos caminan por estas calles con total impunidad, a la gente se la sigue tragando la tierra (por tortura, por prostitución o por venta de órganos) y yo, más egoísta que nunca, no hago nada. Somos culpables, somos totalmente responsables de lo que nos sucede como sociedad. “Asesinos de conciencia devuélvanos la primavera” dijo Manu Chao mientras daba su recital, no dejemos que se apropien de nuestros pensamientos, de nuestros sentimientos más profundos.
Si es necesario volver a ver aquella película o escuchar esa banda o leer aquel libro que te reviva la conciencia. Hacelo! Hagamos algo para recuperar nuestra conciencia social y así poder ayudarnos entre nosotros, nuestros hermanos nos necesitan y nosotros a ellos. Por nosotros, por nuestras generaciones futuras, hagamos algo.”Algún día volverá la primavera, y el imperio caerá”

HITCHCOCK: EL MAESTRO DEL SUSPENSE

"Existe algo más importante que la lógica: la imaginación"

Alfred Hitchcock

Hablar del Sr Hitchcock no es tarea fácil, dado que es uno de los grandes maestros del cine. Hitchcock es aquel hombre que ha filmado mejor el miedo, aquel que supo diferenciar la sorpresa del suspenso con una categoría inigualable.
Según él, los momentos privilegiados de una película son aquellos que la memoria retiene, entonces las suyas son obras privilegiadas, basta con cerrar los ojos para recordar desde el comienzo cada una de sus películas que vi. Desde los títulos Hitchcock cuenta cómo va a ser su película. ¿Quién no recuerda el trabajo que realizó Saul Bass al diseñar los títulos de “Vértigo”? Es como si la película te estuviese atrapando con la imagen, algo fascinante que ocurría a mediados de los 50.
Hitchcock comienza haciendo cine mudo, que según él, es la forma más pura de hacer cine, en Inglaterra donde luego filmaría su primara sonora, hasta que en 1937 visita con su familia Nueva York para entrevistarse con el productor de "Lo que el viento se llevó”. Las condiciones del productor convencen a Hitchcock y se traslada junto a su familia a Estados Unidos en 1939.
En Hollywood comienza, para mí, la mejor parte de la carrera del Sr. Hitchcock, creando obras primas como “La soga” (1948) “La ventana indiscreta” (1954) “Vértigo” (1958), “Psicosis” (1960), “Los pájaros” (1963) entre otras. Con estas películas Hitchcock marca a la historia del cine y sus realizaciones sirvieron de referencia a muchos directores. Basta con ver un capitulo de Los Simpsons para ver la cantidad de citas en homenaje a Hitchcock que hay y cómo influyó sobre la carrera de Matt Groening . Nadie antes y desde entonces pudo filmar el suspenso mejor que él. Truffaut con mucha razón, dice al respecto :”No se contentó con practicar un arte, sino que se empeñó en profundizarlo, en escapar a sus leyes”
Hitchcock deja en claro que no le interesa filmar cosas que se pueden encontrar todos los días "Un buen drama es como la vida, pero sin las partes aburridas".y que tampoco le importa le verosimilitud de los hechos. En el gran libro de Truffaut “El cine según Hitchcock” durante la entrevista, el director dice con respecto a la verosimilitud: “En la escena del bar, en la película “Los pájaros” entre la cantidad de gente que se encuentra ahí, hay una mujer con boina en la cabeza, que es precisamente una especialista en pájaros, una ornitóloga. Está ahí por pura coincidencia. Naturalmente habría podido rodar tres escenas para hacerla llegar de forma verosímil, pero éstas no tendrían ningún interés” Para Hitchcock hacer una película es un juego entre tres: el director, el público y el material
Hitchcock nos enseñó la diferencia entre 15 segundos de sorpresa y 15 minutos de suspenso. Él pone el siguiente ejemplo: “Hay una bomba debajo de la mesa, no sucede nada en especial y de repente: BUM! La explosión. El público queda sorprendido. En cambio si sucedería esto: La bomba está debajo de la mesa y el público lo sabe, probablemente porque vio que el anarquista la ponía. El público sabe que la bomba estallará a la 1 y sabe que es la 1 menos cuarto (hay un reloj en el decorado) La misma conversación anodina se vuelve de repente muy interesante porque el público participa de la escena”Hacer un comentario sobre cada uno de sus películas sería inútil, a Hitchcock hay que verlo y no leerlo para entender por qué se lo llama el maestro del suspenso. La próxima vez que usted tenga ganas de sentir miedo y taparse la cara para intentar no ver, alquile una del Sr. Hitchcock y comprenderá mis admiraciones hacia él

"VickyCristinaBarcelona"

Allan Stewart Konigsberg nacido en Nueva York el 1 de diciembre de 1935, mejor conocido como Woody Allen, nos vuelve a sorprender con su nueva película “Vicky Cristina Barcelona.”
En esta ocasión el director, guionista, actor y escritor estadounidense se enfrenta a un espacio completamente nuevo: otro país, otra ciudad, otro idioma, neurosis ajenas.
“Vicky Cristina Barcelona” fue escrita y dirigida por Woody Allen y rodada en Cataluña y Asturiqas, desde junio de 2007 hasta finales de agosto. Está protagonizada por los actores españoles Jsvoer Badem Penélope Cruz, la estadounidense Scarlett Jahansson y la británic Rebecca Hall.
La película cuenta la historia de dos amigas estadounidenses: Vicky (Rebecca Hall) una persona muy inhibida y mesurada y Cristina (Scarlett Johansson), sola y sexualmente libre. Las dos se sienten fuertemente atraídas por el pintor carismático (Javier Bardem), quien sigue confundido con su ex mujer, María Elena (Penélope Cruz). Al fin de cuentas los personajes de Johansson, Cruz y Bardem terminan viviendo un triángulo amoroso.
Woody escribió está película en la misma máquina portátil Olympia que tiene desde los 16 años y en la que ha tecleado todos sus guiones ya que no tiene computadora y tampoco sabría cómo usarla, según ha dicho. En una entrevista el director estadounidense declaró: “Quise confrontar dos visiones de la vida muy diferentes: el pragmatismo materialista de los estadounidenses y la exaltación fogosa de los españoles.” Algo que, según las críticas tuvo un muy buen resultado.Penélope Cruz fue nominada por esta película para el Oscar como mejor actriz de reparto. Pese a que aparece en pantalla durante menos de la mitad de la película, el personaje de María Elena es difícil de olvidar. Ella misma ha dicho: "Estoy fascinada con María Elena; el personaje más fuerte y extremo que me tocó interpretar en inglés. Cada vez que sale a escena, desencadena el caos. Vive en un espacio oscuro y se tortura a sí misma. Su cabeza es su prisión. No lo hace a propósito, sino que es el único modo en que puede vincularse con otro ser humano. No quise retratarla como una loca, sino crear una realidad propia y encontrar en ella las justificaciones que ella emplea para comportarse así".
Según el propio Allen, “la película es una carta de amor a Barcelona. Es un drama romántico. Tiene algunas cosas divertidas, pero es mayormente un drama. Me gusta ese tipo de films, me divierto con ellos. Es el momento de hacer no tuve muchas chances de concretar. Mi propósito es mostrar Barcelona igual que muestro Manhattan, muy a través de mis ojos “

¡¡¡QuE ReGreSe el CarNavAl !!!

Otra familia/se ha juntado nuevamente/y ha tomado los lugares por asalto una vez más/
y así vivimos cuerpo a cuerpo en la comparsa/si esta vida es una farsa/
que regrese el carnaval.
Bersuit Vergarabat.

Otro Febrero más la magia del carnaval pisa el asfalto de las calles de Chivilcoy. Carnaval que relaciona, como ningún otro, los distintos géneros artísticos populares como son la murga y la comparsa. La primera, con una identidad propia y una carga ideológica muy notable; la otra, proveniente del litoral tomando al carnaval de Brasil como modelo.
El carnaval, celebración popular por excelencia, tiene lugar inmediatamente antes de la cuaresma cristiana, (desde finales de enero, aproximadamente, hasta principios de marzo, según el año). Se cree que su origen puede remontarse a las fiestas griegas en honor a Dioniso o a las bacanales romanas, difundiéndose, luego, por Europa y siendo traído a América por los españoles durante la conquista. Se destaca por ser un período de permisividad y descontrol en cualquier parte del mundo, sin importar cultura alguna y diferencias entre los diversos estilos carnavalescos. Es asombroso que a lo largo de la historia el carnaval haya mantenido su esencia, aquello que lo hace ser.
En nuestro país, desde la década del ´40, la murga nace como una expresión artística barrial enraizada en los barrios más tangueros de Buenos Aires. Milongueros, bohemios formaron las primeras agrupaciones murgueras y se lanzaron a conquistar las noches de carnaval, haciendo de éstas una fiesta descontrolada. El tango, vals, pasodoble y milonga continúan marcando hoy, la rítmica murguera. Asimismo se mantiene la presencia de los cantores, bailarines y el inigualable bombo con platillo quién le da vida a la murga.
En cuanto a las comparsas, éstas se inspiran en el carnaval de Brasil. Su origen se remonta a fines del siglo XIX, cuando los cordões (lazos, en portugués) fueron introducidos en Rio de Janeiro y formaron grupos de personas que caminaban por las calles disfrazados de acuerdo a ciertos temas o celebrando el carnaval de forma específica, tocando música y bailando. Los cordões fueron los antecesores de las modernas escuelas de samba que se mantienen hasta el día de la fecha.
Grito una vez más ¡Qué viva el carnaval! Porque es una época de alegría, porque es una fiesta donde se entrelaza toda la sociedad, porque es una fiesta, como se proponía desde los inicios, donde se borran las diferencias sociales, donde por unos días la tristeza se disfraza para complacerse en el carnaval!

¿CÓMO DETERMINAR QUE ALGO ES ARTE?

Si usted busca la definición de arte en una enciclopedia se encontrará algo parecido a esto: “cualquier actividad humana cuyos resultados y proceso de desarrollo pueden ser objeto de juicio estético”. Aunque la definición no sea errónea, sí puede ser considerada incompleta.
Supongo que nadie en el siglo XIX podía llegar a imaginar que una rueda de bicicleta montada sobre un banco o una alfombra de caramelos dentro de un museo podían llegar a ser considerados arte. La palabra arte entendida como “arte estético” resulta, pues, inadecuada e impropia.

El concepto de arte no es ni universal ni eterno, cambia según las culturas y los tiempos históricos. Además, para entender el significado de las obras se requiere de ciertas herramientas, ciertos códigos…cómo hace uno para entender las pinturas del Quatroccento si no es católico o, en la actualidad, cómo se entiende que un secador de botellas sea considerado arte si nunca escuchamos hablar del dadaísmo o de Marcel Duchamp. Entonces, ¿Qué es arte? ¿Cuándo hay arte? ¿Cuándo algo tiene derecho a ser considerado arte?

Hay teorías desde la antigua Grecia que proponen una definición del concepto de arte. En la antigüedad, el rasgo distintivo del arte era que representara o reprodujera la realidad. Platón en sus escritos trabaja con el concepto de arte como mímesis (imitación) de la realidad y llega a manifestar sus deseos de expulsar a los artistas de las pólis porque consideraba que el pintor no era creador sino que era imitador de lo que los demás producían. A causa de esto, no sabía nada sobre el objeto que estaba pintando y, de este modo, sus obras corrompían el pensamiento de las personas que las veían, salvo que éstas tuvieran el antídoto: el conocimiento del origen de dicha obra. Esta definición del arte como imitación de la realidad vuelve con el hiperrealismo en los años ´60.
Durante el Renacimiento lo que era considerado arte tenía que encaminarse hacia una belleza única. Alberti exigía al pintor que todas las partes de la obra produjeran belleza.
Luego, en la modernidad, se consideró que el rasgo distintivo del arte era la expresión, pero con esta determinación; qué lugar ocuparía todo arte conceptual y racional.
En fin, como decía al comienzo, no hay una definición concreta para la imprecisa noción de arte. El arte es todo aquello que proporciona un alimento espiritual, aquello que llena el alma o deja a uno levitando por un largo tiempo. O no. Haga su propia experiencia, encuéntrese con el arte, contemple, goce, reniegue y reflexione.

“La experiencia del arte es algo enteramente individual, como la del amor o la soledad. Una flecha que lanza un individuo al poner en obra una propuesta, y que sólo llega a su destino si algunos de sus sentidos alcanzan a otro individuo, que se apropia de ellos y los recrea. Sólo entonces da la flecha en la diana. Lo demás es mediación: a veces una auténtica barrera, otras realmente iluminadora” José Jimenez

LA REVOLUCIÓN CUBANA COMO ARTE

En mis horas frente a la computadora encontré un blogspot que decía lo siguiente “Este blogspot nace con la voluntad de ofrecer un foro para el estudio y la recopilación de películas, que ayude a fomentar una conciencia social de individuos y colectivos comprometidos por una sociedad mas justa” (www.cinesocial.blogspot.com) quedé sorprendida, porque era sobre lo que yo quería escribir esta semana aprovechando el agasajo sobre el 50º aniversario de la revolución cubana.
En 1959 el pequeño grupo rebelde encabezado por Fidel Castro derrocó el corrupto gobierno dictatorial de Cuba. Hoy a 50 años está más presente que nunca. Los medios masivos de comunicación no hicieron otra cosa que recordarla y afortunadamente con la colaboración de importantes delegaciones culturales y de la Embajada del país caribeño, fue presentada la semana del cine cubano que se desarrolló en el cine Gaumont (Cine que recibe el apoyo total del INCAA, donde sólo se proyectan películas nacionales) El mundo de la imagen, por encima de la literatura o la palabra, es el más inmediato y el que permite llegar a un mayor número de gente, sea cual fuere su nivel cultural y poder ver la realidad a través de la ficción es algo que sólo el cine nos puede ofrecer.
El arte nunca es inocente. No existe arte que no represente las tensiones e imaginarios de un colectivo social. Siempre hay que tener en cuenta que todo arte se encuentra ligado a un determinado contexto social y momento histórico.
Hay una pluralidad de cinematografía para ver relacionada con la Revolución Cubana y la emocionante vida de nuestro querido Ernesto, Che, Guevara. Dos, de las películas y documentales para revivir el camino hacia la revolución:
“Diario de Motocicleta” es una película biográfica basada en los diarios de viaje de Ernesto Guevara y Alberto Granado, dirigida por Walter Salles y protagonizada por Gael García Bernal y Rodrigo de la Serna.
La película trata sobre la toma de conciencia del Che, de su concientización social. En el transcurrir de la película se comienza a constituir la identidad del joven Ernesto. El momento en el que el Che comienza a convertirse en El Che, dejando atrás a Ernesto.
“Fidel y el Che” Una película de David Attwood protagonizada por Victor Hugo Martin, Gael García Bernal, Margarita O´Francisco, José María Yazpik, Cecilia Suárez. La película se remonta a 10 años antes de la revolución y muestra el camino y los acontecimientos que llevaron al grupo de Fidel y el Che a concretar la misma en 1959.

“Sean capaces de siempre de sentir, en lo más hondo, cualquier injusticia realizada contra cualquiera, en cualquier parte del mundo. Es la cualidad más linda del revolucionario” Ernesto Che Guevara.

POETAS DE LA IMAGEN

La Nouvelle Vague francesa es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950.
Fueron precisamente “Los 400 golpes” (1959) de Truffaut , “Hiroshima mon amour” (1959) de Alain Resnais y “Vivir su vida” (1962) de Jean Luc Godard las que representaron el debut de una generación de cineastas decididos a expresar sus propias inquietudes y necesidades
Esta nueva ola de directores que crearon un cine alternativo (frente al cine de Hollywood que era muy fuerte en esa época) tomó verdadera conciencia del lenguaje cinematográfico, de la capacidad de comunicación de la imagen. Fueron los que crearon, en mi opinión, una semiología cinematográfica.
Con ellos se abandonaron los tradicionales melodramas y la elaboración de personajes redondos del cine clásico de Hollywood con el fin de adoptar soluciones afines a las nuevas tendencias literarias. En el lenguaje fílmico hay un abandono de las formas sintácticas y expresivas que ocultaban los procedimientos de la puesta en escena para lograr una narración omnisciente, invisible y realista. Una forma de hacer cine que deja al espectador totalmente encantado frente al film, la historia y las imágenes. Fue en mi caso lo que me llevó a explorar el universo del cine.
Para satisfacer nuestro deseo de seguir esa corriente perturbadora, mágica y emocionante de los `60, llega en la década del `90 el director Hongkonés Wong Kar Wair quien devuelve al panorama cinematográfico una revisión postmoderna y oriental de aquel estilo de cine.Un director con una visión poética de la vida, un llamado "poeta de la imagen” que desea retomar los viejos conceptos de un movimiento vanguardista.
Debo confesar que “Con ánimos de amar” (2000) y “2046” (2004) ambas de Wong Kar Wai repercutieron en mí durante un buen tiempo, lo que me llevó a verlas indefinidamente. Uno se hipnotiza frente a la imagen desde los títulos (y esto no es exageración), es fascinante la atmosfera que crea Kar Wai, la armonía que hay entre la música, la imagen y la narración en sus films.
Un modo sutil, platónico, intimo de mostrar el acercamiento entre dos personas. Siempre expuesto a través del lenguaje corporal, a través de las imágenes y no del dialogo.
Además de sus largometrajes, Wong Kar-Wai tiene dos cortometrajes, uno de ellos de cincuenta minutos para el proyecto de tres cortos eróticos “Eros” basados en una misma temática, el erotismo y la sensualidad. "La mano", de Wong Kar Wai “El peligro truco de las cosas” de Michelangelo Antonioni y “Equilibrio” de Stephen Soderbergh. Algo sobrenatural, tres directores de esa dimensión reunidos en un mismo film, algo asombroso pero afortunadamente real.

MARCEL DUCHAMP en Buenos Aires!!

Son los últimos días de la asombrosa muestra que hay en Fundación PROA del gran artista Marcel Duchamp. La muestra cuenta con más de 140 obras del artista francés que revolucionó el " ARTE" contemporáneo.

Para más info sobre la muestra: http://www.proa.org/

Si querés saber más sobre Marcel Duchamp lasituacionesdramatica@hotmail.com