DECIR SÍ.

Quiero mostrarles la magia del teatro de la mano de Griselda Gambaro, que en cuatro páginas, escribió una de las mejores obras del teatro argentino.
En Decir sí se reconstruye una relación establecida entre peluquero y cliente, como metáfora de la relación victima- victimario, propia de la época. La obra fue escrita en 1974, pero fue estrenada dentro del emblemático ciclo “Teatro Abierto”, en julio de 1981 en el teatro del Picadero de Buenos Aires.
Los objetos del escenario propuestos por las didascalias (un espejo, un sillón giratorio, utensilios de afeitar, pelo cortado por el suelo) representan una peluquería convencional. No obstante, la actitud del peluquero, ante la llegada del cliente (no saludarlo, darle la espalda para mirar por la ventana) constituye el primer indicio de ruptura con la cotidianeidad, con los códigos de comportamiento socialmente aceptados. Ambos personajes entablan una relación que transgrede la figura convencional del peluquero, largamente codificada en las distintas expresiones estéticas del costumbrismo argentino.
Se intercambian roles lo que somete aun más al cliente que, actuando como peluquero, debe concebirle todo al que está sentado en el sillón:
Esta vez, el cliente es el que charla, el que canta, el que busca adular y complacer, el que nunca manda, el que jamás tiene razón. Es el que asume todo el peso del discurso verbal: así, busca "construir" el diálogo y recurre para ello a distintas estrategias lingüísticas. Responde a preguntas que él mismo hipotetiza e intenta, a través de continuas rectificaciones de su propio discurso, verbalizar acertadamente el presunto pensamiento de su respuesta. La palabra del cliente -cada vez más desconcertado- se torna, entonces, errática e incoherente.
Sin embargo, cuando creíamos que la relación estaba dada por lo que debía ser. El peluquero le hunde la navaja. Se lleva la mano a la cabeza y se quita una peluca. Este gesto del asesino constituye un signo objetual altamente significativo que resemantiza la historia narrada y, al interactuar con los otros sistemas significantes, instaura nuevos y más complejos niveles de metaforización. Gesto final que muestra al cliente como víctima de un siniestro engaño. Si el pelo mal cortado era falso y no hubo "culpa", no existe justificación alguna para el crimen. El principio de causalidad que parece regir el desenlace (torpeza-crimen) queda invalidado. Sin embargo, no se trata de una situación aislada y puramente causal. Un recuerdo infantil narrado por el cliente a quien sus compañeros de juegos arrojaron a un charco maloliente por negarse a cruzarlo, aporta información sobre la prehistoria del personaje y parece explicar su miedo a rebelarse y su incapacidad para volver a "decir no". Si "decir no" alguna vez perjudicó al personaje, "decir sí" ahora lo aniquila. El título de la obra pone el acento en el poder del discurso verbal y por ende, en el valor contractual de la afirmación, reforzado por la presencia del infinitivo. "Decir sí" significa aceptar, coincidir, pero también, en la instancia correspondiente a la dinámica entre significantes verbales y no verbales ya señalada, "decir sí" significa someterse. Desentrañar los mecanismos de sometimiento a través de la desconstrucción de la relación comerciante-cliente transformándola en victima-victimario es propio del estilo de Gambaro.

LA ESPIRITUALIZACIÓN DE LA DANZA

Isadora Duncan afirmaba: “Desde los días más tempranos de la civilización del hombre, desde el primer templo que éste construyó, siempre ha habido un dios, una figura central. La pose de este dios es también expresión de su ser y puede denominarse danza”


Los artistas inscriptos en esta corriente rechazaron las estructuras y formas neoclásicas, proponiendo un lenguaje trasgresor entre lírico y naturalista. Este naturalismo no era el mismo a aquel con el deseo de reproducir la realidad con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en los sublimes como en los más vulgares. Sino que buscaba restablecer la relación entre el ser humano y la naturaleza, recreando su original dependencia.
El anhelo de aquellos artistas de las primeras décadas del siglo XX era el de recuperar la libertad natural y a través de esa pureza, alcanzar lo sublime
La espiritualidad naturalista a la que me estoy refiriendo aludía a una danza abierta hacia lo eterno de la naturaleza.
La búsqueda de la espiritualidad en la naturaleza estaba en consonancia con la reaparición de idea metafísicas, con el retorno de los estudios sobre cábala, misticismo y alquimia, con el florecimiento de fraternidades y logias. Aparecían en la danza credos extraños construidos a partir de una visión del pasado mediatizada por los movimientos teosóficos, oculistas y orientalistas propios de esa época.
La revaporización de aspectos irracionalistas, espiritualistas o místicos formó parte de esta nueva subjetividad inaugurando diferentes caminos que respondían a la necesidad de liberar al cuerpo de toda restricción artificialmente impuesta.
Los artistas, profetas, de la danza debían rechazar la concepción del hombre como alguien separado de la naturaleza, debía sentirse parte de ella, abrirse a sus fuerza espirituales y prepararse para traducir su sabiduría.
Isadora Duncan, Mary Wigman, Rudolf Laban y Ruth Santa Denis son reconocidos habitualmente como aquellos que construyeron la narrativa fundacional de la danza moderna.
Para Isadora el cuerpo era una materia sensible que debía ser necesariamente reinterpretada desde un profundo misticismo. Pensaba que la danza era una oración, un acto de recogimiento compartido con la audiencia para elevarse colectivamente a otro estado de conciencia.
Isadora intentaba recuperar el sentido sagrado y simbólico del cuerpo transformado en un canal dinámico para alcanzar una realidad superior. “La danza es para mí la expresión del cuerpo que refleja el alma en éxtasis”
La espiritualidad de la naturaleza fue una de sus fuentes de inspiración. La danza verdadera, pura, debía surgir a partir del movimiento puro que recorría todos los fenómenos naturales, incluido el cuerpo humano.
La expresión era algo en donde no intervenía ni el aprendizaje ni la experiencia.
La expresión desalojaba a la palabra, como principio generador del movimiento, a pantomima nunca me ha parecido un arte dice Duncan.
De manera individual o en comunidades era evidente la fuerza con qué comenzaba a desarrollarse una nueva cultura estética corporal unida a un profundo espiritualismo que inauguraba una actitud hacia el cuerpo que no reconocía precedentes por su intensidad y complejidad.

NO ESTA BUENO BUENOS AIRES

Creo que es necesario comenzar a cuestionar la dirección que el gobierno Macrista le da a las políticas culturales. Lo que sigue son sólo ejemplos de lo que sucede diariamente en la ciudad porteña.
El miércoles pasado el Centro Cultural Almagro, un espacio recuperado por organizaciones sociales que tiene el objetivo de crear un espacio comunitario y colectivo que impulsa actividades educativas y recreativas, resistía al desalojo que efectuaba la Infantería de la Policía Federal.
Luego de una noche de discusión banal con quien decía ser el dueño, quien había comenzado a tapiar con ladrillos la entrada del Centro (con gente adentro) y frente a una presunta orden judicial, los integrantes del Centro Cultural salieron a la calle pacíficamente. Pero al salir se encontraron que más de 50 efectivos los comenzaron a reprimir con balas de goma y gases lacrimógenos. Una verdadera “cacería” que tuvo un saldo de 13 detenidos y cuatro heridos con balas de goma.
La intención del Centro era reconstruir un espacio para que lo disfruten y utilicen todos los vecinos de la Ciudad de Buenos Aires. Era el refugio de mucha gente que venía de lejos. Mientras los padres salían por la ciudad a realizar la ardua tarea de la recolección, el Centro era el lugar donde dejaban a sus hijos al resguardo realizando trabajo de apoyo escolar .El Centro dictaba talleres y se convertía en el refugio donde mucha gente podía tener un plato de comida y un lugar donde higienizarse.
Se pone de manifiesto aquí, una vez más la actual política de violación de los derechos humanos en la ciudad. El accionar de desalojo del Gobierno de la Ciudad fue de una inequidad catastrófica, totalmente injusta y de un monstruoso parecido a lo que sucedía en la década del 70.
Por otro lado, ese mismo día se concentraban frente a la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires muchas de las tantas Murgas porteñas, en reclamo del recorte presupuestario realizado por el Gob. De La Ciudad
Las murgas manifestaron que el jefe de gobierno porteño, Mauricio Macri, recortó en más de la mitad el presupuesto asignado para esas agrupaciones. Las mismas expresaron: "Macri quiere destruir el carnaval como parte de otro de sus ataques a la cultura"
Hay que recordar aquí la ley de la ciudad de 1997 donde se establece que la actividad carnavalera porteña es patrimonio cultural de la ciudad de Buenos Aires y se rescató el carácter tradicional, popular, callejero y barrial del carnaval, por lo que se conceden partidas presupuestarias a las agrupaciones murgueras.
Es cuestionable la postura que adopta el Jefe de Gabinete en su labor hacia la cultura en la Ciudad. Es necesario problematizar cuál es la concepción de cultura que tiene el Gob. De la Ciudad y a qué sector social están referidas las políticas existentes en la temática
Me gustaría hacer alusión de la paralización de las obras del Teatro Colón, el cierre de la Orquesta Académica, la desfinanciación de los teatros oficiales, el ataque a los centros culturales y el intento de aniquilación del sector de circo que se creó de forma autogestionaria durante estos últimos años.
Como Chivilcoyana que hoy, por diferentes circunstancias habita en Capital Federal, quiero hacer correr la voz, quiero que todos nos enteremos de las agresiones que recibe nuestra Cultura; la que todos los estudiantes y trabajadores construimos con dedicación y esfuerzo diario.

El lugar del Cuerpo

“Un irresistible impulso de metamorfosearse y actuar co otros cuerpos y otras alma, tal es la condición primera de todo arte dramático”
F. Nietzsche

Superando la realidad física y su materialidad orgánica el cuerpo se presenta como una construcción simbólica de condición cultural. El cuerpo se presenta como un espacio donde se entraman tanto la experiencia individual como la social.
Tanto las representaciones del cuerpo y los saberes acerca del mismo son tributarios de un estado social, de una visión del mundo, y dentro de esta última de una definición de persona.
Distintos filósofos se esmeraron en encontrar un lugar para el cuerpo, me gustaría destacar por ejemplo el antagonismo que se produce entre el pensamiento Cartesiano donde el cuerpo se asocia al poseer y no al ser y la postura de Merlou Ponty donde el cuerpo está unido al mundo, hecho carne con el mundo y la postura Nietzcheana que considera al cuerpo con poder para lograr la transformación del mundo y de sí mismo. (sentirse dios)

Ahora bien ¿Qué lugar ocupa el cuerpo en las diferente expresiones artísticas?
En la pintura la figuración del cuerpo sobre el lienzo fue variando con el tiempo, no nos olvidemos que el arte proviene siempre de un contexto determinado.
Durante el Quattrocento el comerciante que era el prototipo del individuo moderno era retratado por diversos artistas. Con la invención del retrato la geografía del rostro se transforma. Según el sociólogo y antropólogo David Le Breton “La boca deja de estar abierta y glotona y adquiere significación psicológica, expresiva, del mismo modo que otras partes del rostro (…) La axiología del cuerpo se modifica. Los ojos son los órganos que se beneficin con la influencia creciente de la “cultura erudita”. En ellos se concentra todo el interés del rostro.” Que otra alusión se podría hacer más que nombrar “ La Gioconda” de Leonardo
Muy distinta es la figuración del cuerpo que se en el Cubismo de la cual me gustaría citar “La musa” de Picasso para entender cómo a partir de un mismo cuerpo ( de un organismo completo) se pueden hacer diferentes lecturas.
Es interesante desenmascarar mediante este medio, el lugar que ocupa el cuerpo en las artes escénicas cine, televisión y más rigurosamente en la danza.
Es fabuloso lo que nos sucede como espectador cuando vamos al teatro. Mientras dura la función nos olvidamos que los que están en escena son nuestros amigos, vecinos o familiares y creemos que son aquellos personajes que ellos esperan ser. El cuerpo del actor se transforma en el de su personaje.
Este trabajo lleva meses de preparación y los métodos para la construcción de un personaje son varios como el de Stanislavsky y su método de las acciones físicas que se basa en trabajos corporales individuales y grupales de relajación, concentración donde primero se busca sentir ser el personaje y luego se desarrolla el trabajo de mesa donde se trabaja con los libretos y la fijación de la letra. El otro procedimiento muy alejado temporal y metódicamente dado que es mucho más contemporáneo es el método de Grotowsky .Que trabaja puramente con la producción de significados a través del cuerpo.
No hay arte sin emoción. No hay arte sin cuerpos dispuestos a abordar una realidad paralela que nos permita experimentar lo que ésta no nos permite.

HACE MUCHO QUE TE QUIERO
Hacía tiempo ya que no me pasaba algo semejante en el cine. El silencio reinaba en la sala. La gente no se atrevía a comer ni caramelos ni pochoclos. Salí sin poder hablar, casi hipnotizada.
“Hace mucho que te quiero” (Il y a longtemps que je t ¨aime), la ópera prima del escritor Philippe Cludel se estrenó el 16 de julio en Capital Federal así que no tardará mucho en llegar a las salas de la ciudad.
La película narra la vida de Juliette luego de quedar en libertad después de quince años en prisión y otros tantos de aislamiento, ya que su familia rechazó tener relación con ella después del crimen cometido. Los servicios sociales se ponen en contacto con su hermana menor, Lea, quien recibe su hermana después de tantos años sin saber nada de ella. Es el día a día lo que hará que estas dos hermanas dejen de sentirse como dos extrañas.
El aislamiento, en todas sus formas, es el principal tema que vertebra la película que da como resultado un drama familiar, sobre los lazos perdidos de dos hermanas que se reencuentran casi forzosamente. La identidad de la protagonista (Kristin Scott Thomas, muy vinculada tanto al cine norteamericano (Las hermanas Bolena), como al francés (El juego de los idiotas), nacionalidad de ésta, su última película) se construye en torno a la creación de un espacio de identificación del espectador con la figura de un presunto monstruo, cuyos pecados el tiempo no perdona ni perdonará. Philippe Cludel nos plantea entonces un dilema moral calibrando la hipótesis de una redención desde los infiernos del más abyecto de los crímenes. ¿Consiente la sociedad la reinserción de la oveja negra? ¿O sólo la consiente en virtud de la jerarquía ética de los crímenes perpetrados?
Una crítica en el diario dijo “El director se encarga de desenmascarar las entrañas de un presunto monstruo hundido en el dolor de una normalidad irrecuperable, tolerado sólo colateralmente por su entorno social y familiar, dispuesto a ensayar su reinserción pero siempre desde la hostilidad de la desconfianza.”Cuatro líneas que resumen 115 minutos de drama intenso.

LAS ETAPAS DEL AMOR

Hay muchas teorías y libros que reflexionan sobre el Amor. Desde el dialogo platónico “El Banquete” se versa sobre el Amor y se ponen en común diversas teorías sobre este curioso sentimiento
Erich Fromm, uno de los pensadores más influyentes del siglo XX, dice en su libro “El arte de amar” que el amor es un arte, fruto de un aprendizaje. Si se quiere aprender a amar se debe actuar como si se quisiera aprender cualquier arte.
Según él, la práctica de cualquier arte tiene ciertos requisitos generales. La disciplina, la concentración, la paciencia y la preocupación. Fromm reflexiona sobre las distintas relaciones amorosas hasta con uno mismo, explica a través de sus páginas que el amor no es sólo una relación personal, sino un rasgo de madurez que se manifiesta en diversas formas: amor erótico, amor fraternal, amor filial, amor a uno mismo.
No solo hay libros que reflexionen sobre el Amor, sino que también existen distintas películas que lo hacen.
“El amor” Primera Parte” es una película Argentina del año 2004 dirigida por A. Fadel, M. Mauregui, S Mitre y J Schnitman
Ésta hace un recorrido de principio a fin de la relación que contraen Leonora Balcarce y Luciano Cáceres. Desde que se conocen, las euforias del enamoramiento, sus primeras salidas, la convivencia, la rutina, la pelea, el fin. ¿Cómo y por qué dos personas se enamoran? ¿Cuándo comienzan a ser una pareja? ¿Cuándo comienza el final?
Es interesante como la película va intercalando el suceso de hechos con una voz en off y placas informativas de cómo actúa el Amor biológicamente. Según esta película, lamento informarles, el Amor no dura más de dos años.
La segunda película: “Manualle d ´Amore”,al más puro estilo de la comedia italiana del 2005 dirigida por Giovanni Varonesi se encarga de tomar de la realidad cuatro historias cotidianas y extraordinarias a la vez con un denominador común: El amor.
Situaciones por las que pasan muchas parejas a lo largo de sus vidas. El enamoramiento, la crisis, la traición y el abandono
En ambas películas hay un interlocutor que apela directamente al espectador hablándole en primera persona, involucrándolo a participar de un viaje que habla de nosotros, de todos nosotros.

EFECTO PLACEBO

Cuando enfermo y vivo largos días en cama pasan ante mis ojos todos los canales en menos de cinco minutos. Veo sin mirar. Sólo busco cansar mi vista para poder dormir y hacer que las horas corran más rápido.
En los días de reposo todo es mas sensible, el cuerpo y el alma. Uno toma conciencia de sí. ¿Será por que lo único que tenemos que hacer es descansar y nuestro tiempo de reflexión y meditación acrecienta abruptamente?
En estos días llegué a creer que hay películas que tienen un efecto placebo (El efecto placebo se define, como las modificaciones objetivas o subjetivas que se producen en el estado de un paciente al que se le ha administrado un placebo, es decir, un medicamento que, o bien no tiene actividad alguna, o bien no está indicado para el uso que el paciente cree.)
De chica cada vez que enfermaba mamá se ocupada de alquilar por varios días la película “Mary Poppins”. Hoy, con el correr de los años “Mary Poppins” fue deslizada al rincón de los recuerdos y ocupa su lugar la película “Little Miss Sunshine”
Película que ya había visto antes, pero cuando se está en reposo, se transforma en un medicamento más de los tantos que estás tomando.
Me hace bien, me alivia el alma, el dolor, me hace compañía y se queda dando vueltas en la cabeza por varias horas, lo cual me hacer autoconvencer de que estoy ocupado.
“Little Miss Sunshine” es una película estadounidense del año 2006, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris. La película ganó el Oscar al mjor actor de reparto con Alan Arkin y Oscar al mejor guion original y fue candidata al Oscar a la mejor pelicula.
El argumento de la película trata del viaje que Los Hoover deben realizar a California para presentar a su hija Olive (Abigail Breslin) a un concurso de belleza llamado Pequeña Miss Sunshine. Durante el largo viaje las personalidades de los miembros de la familia salen a flote y se ven los problemas que surgen gracias a ello. Cotidianidad, relaciones familiares es lo que nos muestra el viaje en la furgoneta Volkswagen amarilla donde se dan cita el abuelo de Olive y padre de Richard (Alan Arkin) quien ayuda a Olive con el concurso, el tío Frank (Steve Carell) profesor experto en la obra de Marcel Proust que se recupera de un intento de suicidio tras ser abandonado por su novio, y el hermano de Olive, Dwayne (Paul Dano) fanático de Nietzsche quien realiza un voto de silencio hasta ingresar en la Fuerza Aerea de los EEUU
Un amigo a quien le agradezco por el ánimo que da con sus palabras, me dijo hace poco: quien dice que podamos hacer algo por alguien que en algún lugar este buscando algún tipo de aliento, siendo el arte más sanador y salvador, a mi entender y experiencia, que la religión.
A todas las personas que se encuentren en reposo, un consejo: Busquen aquella película que ayude aliviar su dolor. Ojalá mi experiencia los ayude en la búsqueda.

“Un hombre cuenta sus historias tantas veces que al final él mismo se convierte en esas historias. Siguen viviendo cuando él ya no está. De esta forma, el hombre se hace inmortal”.

Dos acontecimientos importantes y significativos en mí como la muerte de unos de mis peces con el que llevaba horas de contemplación y la celebración del día del padre me conducen a escribir sobre esta película, este domingo.
“El gran pez” (2003) es una película de Tim Burton totalmente alejada de su estética gótica que lo caracteriza. La película cuenta la historia de un hombre querido por todos, Edward Bloom (interpretado en diferentes momentos de su vida por Ewan McGregor y Albert Finney) que siempre tiene una historia a mano que supera todos los límites de la realidad. Historias que fue enriqueciendo en cada versión. …“Fue aquella noche cuando Carl encontró su destino, y yo el mío… casi. Dicen que cuando conoces al amor de tu vida el tiempo se detiene… y es verdad. Lo que no dicen es que cuando se vuelve a poner en marcha, lo hace aún más rápidamente para recuperar lo perdido”.
Toda su vida parece haber transcurrido en una dimensión paralela, en un mundo distinto al nuestro, algo que todo el mundo acepta y escucha pero que no entra en la cabeza de su hijo (Billy Crudup), quien harto de las historias de su padre y de su afán para llamar la atención, termina enemistándose con él. No se hablaron durante tres años pero cuando la salud de Edward sufre una recaída, su hijo decide volver a su hogar no sólo para acompañarlo en sus últimas horas, sino también para averiguar la verdad de todas sus historias.
“El gran pez” nos permite reflexionar sobre el arte de la narración oral y las transformaciones por la que pasan las historias a lo largo del tiempo. La película nos hace recordar a las historias trasmitidas por nuestros padres durante la infancia, esas historias exuberantes, en las que no hay grises y todo es extremo. Historias que se quieren escuchar una y otra vez, pero la infancia termina, los requisitos hacia los padres son otros y siguiendo nuestra fastidiosa lógica, los cuestionamientos no tardan en llegar. Los padres dejan de ser la única referencia con respecto al mundo exterior y uno empieza a hacerse su propia idea del universo. Es lo que le pasa al hijo de Edward Bloom, quien necesita que la figura de autoridad del padre no se diluya en un montón de historias fantasiosas. Lo que no entiende su hijo es el mundo fantástico que Bloom se ha inventado es más luminoso, más colorido e interesante que ése en el que ha vivido de verdad, que su padre prefiere la ficció ates que la total realidad. Y la obstinada indagación de Willy sólo lo llevará a descubrir que el muro que separa la realidad de la ficción es muy permeable.
Gracias por todas tus historias papá.

FREAKS

Les quiero comentar este domingo sobre una película que fue prohibida en varios países por las monstruosidades que en ella se veían.
Es la única película en la historia de Hollywood que tiene como prólogo una disculpa por la productora diciendo que gracias a los avances de la tecnología, no se verán más fenómenos como los que muestra la película.
"Freaks" es una película filmada en 1932, producida por el más grande de los grandes estudios (MGM); producida por su productor estrella, Irving Thalberg y dirigida por uno de los directores más valorados en ese momento: Tod Browning. La historia muestra la vida de un grupo seres humanos con deformidades (los "Freaks" del título) que viven en un circo itinerante. En ese marco de feria se desarrolla una trama melodramática en la cual dos personas de constitución física "normal" intentan humillar y estafar a uno de dichos "fenómenos" – lo que desbocará en una brutal venganza por parte de los "freaks".
La particularidad de esta película es que como actores se apeló a seres humanos con deformidades y malformaciones naturales - sin recurrir a efectos de maquillaje o especiales. Esta cualidad hace única la película y permite efectuar una serie de reflexiones sobre el cuerpo y la deformidad. ¿Es aceptable la manipulación del cuerpo en el arte?
Me gustaría poder hacer aquí una comparación con la película "The Cost of Living" de DV8 que comenté aquí hace unas semanas.
En aquella David, el bailarín sin piernas, es interpelado y humillado por un videasta que le pregunta insistentemente sobre todas las dificultades que puede tener para desenvolverse en un mundo hecho para la gente con dos piernas. Si bien David responde con altura, la mayor respuesta la dan sus amigos bailarines que efectúan una danza desplazándose casi exclusivamente con los brazos, como si no "tuvieran piernas". Lo que quiero destacar es que mediante esta danza David es integrado, a pesar de su incompletad, en el mundo de los que tienen dos piernas. David es uno de los hombres de dos piernas. David es "uno de nosotros".
Pero los freaks saben que nunca van a ser como los seres humanos de "organismo normal" y en el fondo hay una consciencia de que podrán ser tolerados pero nunca aceptados. No buscan la integración. No buscan ser "uno de nosotros" porque ya son "uno de ellos".
De la misma manera que los freaks en su individualidad utilizan estrategias particulares para realizar eficazmente diversas tareas que serían extremadamente sencillas de efectuar por un ser humano de "organismo completo", en tanto grupo, también están completamente inmersos en el mundo a partir de la consciencia de su otredad corporal.
Esta noción de grupo lleva a abrir una reflexión que excede los límites de este artículo pero no deja de causar gran curiosidad: Ese grupo no solo tan unido sino tan consciente de su unidad. ¿No puede también ser entendido como un organismo en el sentido más biológico del término?

“THE COST OF LIVING”

Esta es la parte que más me fascina, cuando no tengo nada en mente y de repente se aparece en la pantalla una foto de algo que me encantaría mostrarles.
Algo que me dejó totalmente atónita (y eso que lo vi en un tv 21´ a 10 metros de distancia, sentada en el frio piso de la Facultad de Filosofía y Letras.
Dura 34 minutos pero queda repercutiendo en uno por mucho más que eso.
No es cine. No es teatro. No es danza. No es música. Es el resultado de la combinación de estos elementos que muestran una nueva forma de hacer arte. Una producción de las manifestaciones artísticas que entrelazadas evidencian el lenguaje a través del cuerpo.
“The cost of living” es una producción de DV8 una compañía inglesa que, disconformes con todo lo que se venía proponiendo en el campo de la danza contemporánea crearon esta propuesta que ellos denominan “Teatro físico”, algo que se conoce como una rama del llamado teatro contemporáneo, en el cual destaca el lenguaje físico como principal motor de la dramaturgia del espectáculo teatral, por sobre el texto y la narrativa, predominantes en el teatro tradicional de occidente. (Esto puede vincularse con la teoría de la actuación de Grotowski, quien se basa en la corporalidad del actor por sobre todo.) DV8 surge en 1986 y está dirigida por dirigida Lloyd Newson bailarín y coreógrafo.La cátedra de Teoría General del Movimiento lo categoriza como video-danza. Yo no lo pude categorizar, y creo que este es el punto que hay que destacar: cuando algo te deja sin palabras, cuando sólo se lo puede definir por lo que no es.
El mediometraje trata de dos personajes: David y Eddie, dos artistas callejeros que luchan por arreglárselas en un pueblo junto al mar. Eddie es duro y no tiene miedo a defender sus convicciones. David es un hombre temerario, determinado a no dejarse obstaculizar por sus desventajas físicas o los prejuicios de los demás. Vamos siguiendo sus dificultades mientras trabajan, discuten, viven romances y rompen viejas amistades.
DV8 revela una manera no convencional de aproximarse al movimiento. Una forma de mostrar la alienación del cuerpo y el borramiento que se produce en la vida cotidiana Expresa la conciencia que tienen los personajes de la imagen con la que se presentan ante el resto
Hay una secuencia donde un personaje comienza a bailar cada vez desenfrenadamente dejándose llevar por la música donde nos muestra la destructuración del cuerpo, el movimiento y el gesto. “El gesto es al movimiento lo que las palabras al lenguaje”. Una analogía que permite mostrar la importancia del gesto en el lenguaje corporal dado que por el cual se manifiesta todo lo interior. Se expresa a través de los gestos que son a su vez lo que conforman el movimiento.
Aunque no me resulte fácil poner en palabras lo que se siente y se ve frente a una obra de arte como es “The cost of living”, espero que se entienda a través de estas líneas.
Se puede ver por internet, pero si no lo encuentra me encargo de acercarle una copia.