LA SITUACIÓN ES DRAMÁTICA

Capitulo 93, Rayuela

2011-09-12T07:56:00.001-07:00

Pero el amor, esa palabra... Moralista Horacio, temeroso de pasiones sin una razón de aguas hondas, desconcertado y arisco en la ciudad donde el amor se llama con todos los nombres de todas las calles, de todas las casas, de todos los pisos, de todas las habitaciones, de todas las camas, de todos los sueños, de todos los olvidos o los recuerdos. Amor mío, no te quiero por vos ni por mí ni por los dos juntos, no te quiero porque la sangre me llame a quererte, te quiero porque no sos mía, porque estás del otro lado, ahí donde me invitás a saltar y no puedo dar el salto, porque en lo más profundo de la posesión no estás en mí, no te alcanzo, no paso de tu cuerpo, de tu risa, hay horas en que me atormenta que me ames (cómo te gusta usar el verbo amar, con qué cursilería lo vas dejando caer sobre los platos y las sábanas y los autobuses), me atormenta tu amor que no me sirve de puente porque un puente no se sostiene de un solo lado, jamás Wright ni Le Corbusier van a hacer un puente sostenido de un solo lado, y no me mires con esos ojos de pájaro, para vos la operación de] amor es tan sencilla, te curarás antes que yo y eso que me querés como yo no te quiero. Claro que te curarás, porque vivís en la salud, después de mí será cualquier otro, eso se cambia como los corpiños. Tan triste oyendo al cínico Horacio que quiere un amor pasaporte, amor pasamontañas, amor llave, amor revólver, amor que le dé los mil ojos de Argos, la ubicuidad, el silencio desde donde la música es posible, la raíz desde donde se podría empezar a tejer una lengua. Y es tonto porque todo eso duerme un poco en vos, no habría más que sumergirte en un vaso de agua como una flor japonesa y poco a poco empezarían a brotar los pétalos coloreados, se hincharían las formas combadas, crecería la hermosura. Dadora de infinito, yo no sé tomar, perdoname. Me estás alcanzando una manzana y yo he dejado los dientes en la mesa de luz. Stop, ya está bien así. También puedo ser grosero, fájate. Pero fijate bien, porque no es gratuito.
¿Por qué stop? Por miedo de empezar las fabricaciones, son tan fáciles. Sacás una idea de ahí, un sentimiento del otro estante, los atás con ayuda de palabras, perras negras, y resulta que te quiero. Total parcial: te quiero. Total general: te amo. Así viven muchos amigos míos, sin hablar de un tío y dos primos, convencidos del amor-que-sienten-por-sus-esposas. De la palabra a los actos, che; en general sin verba no hay res. Lo que mucha gente llama amar consiste en elegir a una mujer y casarse con ella. La eligen, te lo juro, los he visto. Como si se pudiese elegir en el amor, como si no fuera un rayo que te parte los huesos y te deja estaqueado en la mitad del patio. Vos dirás que la eligen porque-la-aman, yo creo que es al verse. A Beatriz no se la elige, a Julieta no se la elige. Vos no elegís la lluvia que te va a calar hasta los huesos cuando salís de un concierto. Pero estoy solo en mi pieza, caigo en artilugios de escriba, las perras negras se vengan cómo pueden, me mordisquean desde abajo de la mesa. ¿Se dice abajo o debajo? Lo mismo te muerden. ¿Por qué, por qué, pourquoi, why, warum, perchè este horror a las perras negras? Miralas ahí en ese poema de Nashe, convertidas en abejas. Y ahí, en dos versos de Octavio Paz, muslos del sol, recintos del verano. Pero un mismo cuerpo de mujer es María y la Brinvilliers, los ojos que se nublan mirando un bello ocaso son la misma óptica que se regala con los retorcimientos de un ahorcado. Tengo miedo de ese proxenetismo, de tinta y de voces, mar de lenguas lamiendo el culo del mundo. Miel y leche hay debajo de tu lengua... Sí, pero también está dicho que las moscas muertas hacen heder el perfume del perfumista. En guerra con la palabra, en guerra, todo lo que sea necesario aunque haya que renunciar a la inteligencia, quedarse en el mero pedido de papas fritas y los telegramas Reuter, en las cartas de mi noble hermano y los diálogos del cine. Curioso, muy curioso que Puttenham sintiera las palabras como si fueran objetos, y hasta criaturas con vida propia. También a mí, a veces, me parece estar engendrando ríos de hormigas feroces que se comerán el mundo. Ah, si en el silencio empollara el Roc... Logos, faute éclatante. Concebir una raza que se expresara por el dibujo, la danza, el macramé o una mímica abstracta. ¿Evitarían las connotaciones, raíz del engaño? Honneur des hommes, etc. Sí, pero un honor que se deshonra a cada frase, como un burdel de
vírgenes si la cosa fuera posible.

(Julio Cortazar)

BAILARINA EN LA OSCURIDAD

2010-08-03T19:36:00.001-07:00

Algunos meses atrás recuerdo haber escrito sobre las producciones del director danés Lars Von Trier haciendo un homenaje a dos de sus tantas realizaciones como “Dogville” protagonizada por Nicole Kidman, donde el director ensaya la conjunción de teatro y cine, a través de una puesta en escena en la cual el espectador tiene en la primera toma una mirada cenital del set, un gran espacio negro, un enorme escenario en cuyo piso se hallan pintados los croquis de las casas del modesto pueblito cuyos habitantes viven a lo largo de una breve calle. Luego recuerdo haber comentado el impacto que me produjo ver “Los Idiotas” película filmada con cámara en mano que relata la historia de un grupo de jóvenes más o menos acomodados que se reúnen tras una consigna singular: vivir como si fueran retrasados mentales. Una casa prestada, con amplio jardín, es su base de operaciones. Allí se babean, deambulan absortos... hacen de idiotas. Sólo de tanto en tanto representarán esos mismos roles ante el mundo, fuere porque cae algún extraño de visita o porque emprenden alguna excursión fuera del perímetro de la casona. Ninguna de sus películas es igual a la otra. es más, podría decirse que se contraponen, como si de esta forma el realizador afirmara su postulado anterior y volviera a comenzar refundando el cine que propone.
En “Bailarina en la oscuridad” película protagonizada por la cantante islandesa Björk; es además de una mezcla de melodrama y musical, una acumulación de diferentes elementos, la exaltación de ciertos recursos, la provocación que produce el tema, que hacen enaltecer las película hacia el extremo. La película cuenta la historia de Selma (Björkchecoslovaca que se mata trabajando en una fábrica de los Estados Unidos para salvar a su hijo. Madre soltera, pobre y casi ciega, junta centavo tras centavo para poder pagarle una operación de ojos a Gene que le evite la ceguera que hereditariamente padecerá. Nadie sabe que Selma casi no ve y que atesora dinero porque su hijo debe operarse
El trabajo con las máquinas de la fábrica es difícil y peligroso pero ella sabe hacerlo de memoria y pretende que su supervisor y su amiga Kathy no se den cuenta de la discapacidad. La excusa para la reserva del dinero es que se lo envía su padre en su país de origen, Oldrich Novy. (Lo de su padre es un invento. Pero Novy existe. Es un bailarín de viejos musicales como los que a Selma le gusta representar en sus ratos libres, aunque gran parte de los musicales forman parte de su imaginación.)Cualquier pequeño ruido despierta en Selma el sueño musical. Esto le permite crear una nueva realidad, romper con la ominosa calma de la oscuridad (la de su ceguera y la del mundo que la rodea), lograr evadirse o, quizás, quedar sumergida definitivamente. En los musicales clásicos nadie muere, todo brilla. Aquí, apenas es posible esbozar una sonrisa en medio de la angustia que genera la narración.
Selma comete el error de intercambiar confesiones con Bill, el dueño del “trailer” que ella alquila en el patio de la casa de esta pareja amiga. El es policía y ella, un ama de casa a la que le gusta darse todos los gustos. A partir de allí se desencadena la tragedia. Su policía amigo se entera de que Selma guarda dinero, se da cuenta de que está casi ciega y se aprovecha de esta circunstancia para robárselo. Selma ya no podrá escapar a su fatal destino si quiere que su hijo pueda llegar a la operación y superar así la enfermedad que es congénita.
Lo que es seguro es que la entrañable Selma (irremplazable Björk) no será fácil de olvidar. Lejos, una de las mejores películas de los últimos tiempos

ANDY WARHOL, Mr. AMÉRICA

2010-08-03T19:14:00.000-07:00

No tenía pensado este domingo escribir sobre el artista Pop más reconocido mundialmente, Pero al recordar mi visita al Malba del domingo pasado, automáticamente todo lo anterior se hizo a un lado.
La pregunta eje de este espacio es tratar de reflexionar cómo es posible que objetos cotidianos, efímeros, insignificantes, como una simple lata de sopa con casi sin ninguna posibilidad de ser candidata al goce estético, llegA a ser obra de arte.
“Nacido en 1928, en el seno de una familia de inmigrantes de Europa del Este y en un barrio obrero de Pittsburgh, y criado durante la Gran Depresión, Warhol experimentó de cerca el lado oscuro del sueño americano. Su “América imaginaria” fue la de Shirley Temple y Elizabeth Taylor, la de la presidencia idealizada de John y Jackie Kennedy y la del mito de la superabundancia y del progreso tecnológico, condensados en la lata de sopa Campbell.”
Sus comienzos como ilustrador comercial le dieron la posibilidad a Warhol para introducir los temas de la cultura popular y el uso de la fotografía en las bellas artes, amenazando al expresionismo abstracto, reinante hasta entonces. Warhol forjó la primera corriente estética verdaderamente norteamericana, denominada cotidianamente como Arte Pop, que aún hoy continúa dominando el arte contemporáneo.
Hasta el 22 de febrero el MALBA abre sus puertas hacia “Andy Warhol, Mr. América”, exposición organizada en colaboración con el Museo Andy Warhol de Pittsburgh y curada por Philip Larratt-Smith. La muestra reúne una selección de 170 obras, que presentan la cultura política y popular de los Estados Unidos a través de los ojos de Warhol.
La exposición incluye 26 pinturas, 58 grabados, 39 fotografías y 2 instalaciones, además de 44 películas pertenecientes a diferentes etapas de su producción artística, con un énfasis particular en el período que va de 1961 hasta 1968.
Entre otras piezas, se incluyen los célebres retratos de Marilyn, Jackie Kennedy y Mao; la icónica serie de sopas Campbell; sus autorretratos travestidos.
En unas de las paredes del museo:

“Si quieres saber todo sobre Andy Warhol, basta con ver mis pinturas y películas y allí estoy. No hay nada más.”

Por lo tanto todo lo anterior pierde sentido.

HUMILDE HOMENAJE A ROBERTO SANCHEZ

2010-08-03T14:50:00.000-07:00

“Toda una vida estaría contigo, no me importa en qué forma,ni cómo, ni dónde, pero junto a ti.”
Sandro“Toda una vida”

Roberto Sánchez, más conocido por su seudónimo artístico Sandro, el más seductor de todos, el hombre de la bata roja, de los pantalones ajustados, de los movimientos sexies, el amor imposible de las argentinas, el actor, el Elvis nacional como le dicen en algunos diarios extranjeros, el Gardel de estos tiempos, el Gitano, el ídolo de América, la leyenda. Sandro, el hombre de carne y hueso, dejó su vida a los 64 para transformar su sangre en un mito. Fueron 52 discos y 13 películas que lo mantendrán por siempre y para siempre con vida.
¿Qué más se puede decir que no se haya dicho en estos últimos meses? ¿Qué la gente no sepa? Roberto Sánchez tiene una biografía artística excepcional que hoy en su homenaje voy a resaltar para que sigamos manteniendo vivo a nuestro Sandro de América..
Su primera actuación, que lo marcaría por el resto de su vida, fue el día de la Independencia, el 9 de julio de 1957, en el acto de su escuela, cuando su maestra de 6º grado lo invitó a realizar su conocida imitación de Elvis, llevándose los aplausos y la ovación del público asistente. A los 13 años abandonó sus recién iniciados estudios secundarios y comenzó a trabajar para ayudar a sus padres, de repartidor de una carnicería, trabajador a destajo de una farmacia (droguería) y tornero. En sus tiempos libres, se dedicó a la música. Sus primeros aprendizajes se los debe a un amigo guitarrista llamado Enrique Irigoytía. Ambos formaron un dúo de voces y guitarras.
En 1960, en sus primeros intentos como solista, adoptó el seudónimo de Sandro (nombre que le habían querido poner sus padres y las autoridades no permitieron), y al poco tiempo, formó el grupo Los Caniches de Oklahoma y grabó su primer single, un rock en español de su autoría, "Comiendo rosquitas calientes en el Puente Alsina", una de las candidatas a ser considerada la primera canción grabada de rock argentina.
Las apariciones de “Sandro y los de fuego” a mediados de los `60 provocaron la reacción de algunos influyentes grupos fundamentalistas católicos que lograron excluir a la banda de la televisión durante algunas semanas.
Como ha resultado habitual en el mundo del rock, sobre todo del rock latino, a fines de la década del 60, Sandro empezó a cambiar radicalmente su estilo, abandonando el Rock clásico en español, para diseñar un repertorio más popular, siendo uno de los pioneros de la balada romántica latinoamericana que se convertiría en el género pop latino por excelencia en la siguientes décadas Sandro le aportó temáticas, poses y ritmos extraídos del rock , que la hicieron provocativa y atractiva para los jóvenes de los sectores más populares de las comunidades latinas de América, y muy especialmente para las mujeres.
Entre1969-1980 Sandro realizó 12 películas y 35 álbumes. Ese 1969 publicó dos álbumes (Sandro de América y Sandro) y realizó sus primeras dos películas como protagonista absoluto (Quiero llenarme de ti[] y La vida continúa).Aparecieron grandes éxitos como "Rosa, Rosa", "Guitarras al viento", "Hasta aquí llegó mi amor", "Por eso bebo", "Cuando existe tanto amor", entre otras.
En las últimas décadas Sandro ha brindado recitales y siguió grabando discos pero lo más importante es que el fanatismo que había comenzado en los 60 nunca dejo de crecer y acompañarlo. Blogs, programas de radio, páginas de Internet, la conmoción de la gente esperando bajo la lluvia para despedirlo en el Congreso es lo que hace que Sandro sea nuestro Elvis argentino.

DECIR SÍ.

2010-08-03T14:47:00.000-07:00

Quiero mostrarles la magia del teatro de la mano de Griselda Gambaro, que en cuatro páginas, escribió una de las mejores obras del teatro argentino.
En Decir sí se reconstruye una relación establecida entre peluquero y cliente, como metáfora de la relación victima- victimario, propia de la época. La obra fue escrita en 1974, pero fue estrenada dentro del emblemático ciclo “Teatro Abierto”, en julio de 1981 en el teatro del Picadero de Buenos Aires.
Los objetos del escenario propuestos por las didascalias (un espejo, un sillón giratorio, utensilios de afeitar, pelo cortado por el suelo) representan una peluquería convencional. No obstante, la actitud del peluquero, ante la llegada del cliente (no saludarlo, darle la espalda para mirar por la ventana) constituye el primer indicio de ruptura con la cotidianeidad, con los códigos de comportamiento socialmente aceptados. Ambos personajes entablan una relación que transgrede la figura convencional del peluquero, largamente codificada en las distintas expresiones estéticas del costumbrismo argentino.
Se intercambian roles lo que somete aun más al cliente que, actuando como peluquero, debe concebirle todo al que está sentado en el sillón:
Esta vez, el cliente es el que charla, el que canta, el que busca adular y complacer, el que nunca manda, el que jamás tiene razón. Es el que asume todo el peso del discurso verbal: así, busca "construir" el diálogo y recurre para ello a distintas estrategias lingüísticas. Responde a preguntas que él mismo hipotetiza e intenta, a través de continuas rectificaciones de su propio discurso, verbalizar acertadamente el presunto pensamiento de su respuesta. La palabra del cliente -cada vez más desconcertado- se torna, entonces, errática e incoherente.
Sin embargo, cuando creíamos que la relación estaba dada por lo que debía ser. El peluquero le hunde la navaja. Se lleva la mano a la cabeza y se quita una peluca. Este gesto del asesino constituye un signo objetual altamente significativo que resemantiza la historia narrada y, al interactuar con los otros sistemas significantes, instaura nuevos y más complejos niveles de metaforización. Gesto final que muestra al cliente como víctima de un siniestro engaño. Si el pelo mal cortado era falso y no hubo "culpa", no existe justificación alguna para el crimen. El principio de causalidad que parece regir el desenlace (torpeza-crimen) queda invalidado. Sin embargo, no se trata de una situación aislada y puramente causal. Un recuerdo infantil narrado por el cliente a quien sus compañeros de juegos arrojaron a un charco maloliente por negarse a cruzarlo, aporta información sobre la prehistoria del personaje y parece explicar su miedo a rebelarse y su incapacidad para volver a "decir no". Si "decir no" alguna vez perjudicó al personaje, "decir sí" ahora lo aniquila. El título de la obra pone el acento en el poder del discurso verbal y por ende, en el valor contractual de la afirmación, reforzado por la presencia del infinitivo. "Decir sí" significa aceptar, coincidir, pero también, en la instancia correspondiente a la dinámica entre significantes verbales y no verbales ya señalada, "decir sí" significa someterse. Desentrañar los mecanismos de sometimiento a través de la desconstrucción de la relación comerciante-cliente transformándola en victima-victimario es propio del estilo de Gambaro.

LA ESPIRITUALIZACIÓN DE LA DANZA

2010-08-03T14:09:00.000-07:00

Isadora Duncan afirmaba: “Desde los días más tempranos de la civilización del hombre, desde el primer templo que éste construyó, siempre ha habido un dios, una figura central. La pose de este dios es también expresión de su ser y puede denominarse danza”

Los artistas inscriptos en esta corriente rechazaron las estructuras y formas neoclásicas, proponiendo un lenguaje trasgresor entre lírico y naturalista. Este naturalismo no era el mismo a aquel con el deseo de reproducir la realidad con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en los sublimes como en los más vulgares. Sino que buscaba restablecer la relación entre el ser humano y la naturaleza, recreando su original dependencia.
El anhelo de aquellos artistas de las primeras décadas del siglo XX era el de recuperar la libertad natural y a través de esa pureza, alcanzar lo sublime
La espiritualidad naturalista a la que me estoy refiriendo aludía a una danza abierta hacia lo eterno de la naturaleza.
La búsqueda de la espiritualidad en la naturaleza estaba en consonancia con la reaparición de idea metafísicas, con el retorno de los estudios sobre cábala, misticismo y alquimia, con el florecimiento de fraternidades y logias. Aparecían en la danza credos extraños construidos a partir de una visión del pasado mediatizada por los movimientos teosóficos, oculistas y orientalistas propios de esa época.
La revaporización de aspectos irracionalistas, espiritualistas o místicos formó parte de esta nueva subjetividad inaugurando diferentes caminos que respondían a la necesidad de liberar al cuerpo de toda restricción artificialmente impuesta.
Los artistas, profetas, de la danza debían rechazar la concepción del hombre como alguien separado de la naturaleza, debía sentirse parte de ella, abrirse a sus fuerza espirituales y prepararse para traducir su sabiduría.
Isadora Duncan, Mary Wigman, Rudolf Laban y Ruth Santa Denis son reconocidos habitualmente como aquellos que construyeron la narrativa fundacional de la danza moderna.
Para Isadora el cuerpo era una materia sensible que debía ser necesariamente reinterpretada desde un profundo misticismo. Pensaba que la danza era una oración, un acto de recogimiento compartido con la audiencia para elevarse colectivamente a otro estado de conciencia.
Isadora intentaba recuperar el sentido sagrado y simbólico del cuerpo transformado en un canal dinámico para alcanzar una realidad superior. “La danza es para mí la expresión del cuerpo que refleja el alma en éxtasis”
La espiritualidad de la naturaleza fue una de sus fuentes de inspiración. La danza verdadera, pura, debía surgir a partir del movimiento puro que recorría todos los fenómenos naturales, incluido el cuerpo humano.
La expresión era algo en donde no intervenía ni el aprendizaje ni la experiencia.
La expresión desalojaba a la palabra, como principio generador del movimiento, a pantomima nunca me ha parecido un arte dice Duncan.
De manera individual o en comunidades era evidente la fuerza con qué comenzaba a desarrollarse una nueva cultura estética corporal unida a un profundo espiritualismo que inauguraba una actitud hacia el cuerpo que no reconocía precedentes por su intensidad y complejidad.

2009-08-18T11:00:00.000-07:00

NO ESTA BUENO BUENOS AIRES

Creo que es necesario comenzar a cuestionar la dirección que el gobierno Macrista le da a las políticas culturales. Lo que sigue son sólo ejemplos de lo que sucede diariamente en la ciudad porteña.
El miércoles pasado el Centro Cultural Almagro, un espacio recuperado por organizaciones sociales que tiene el objetivo de crear un espacio comunitario y colectivo que impulsa actividades educativas y recreativas, resistía al desalojo que efectuaba la Infantería de la Policía Federal.
Luego de una noche de discusión banal con quien decía ser el dueño, quien había comenzado a tapiar con ladrillos la entrada del Centro (con gente adentro) y frente a una presunta orden judicial, los integrantes del Centro Cultural salieron a la calle pacíficamente. Pero al salir se encontraron que más de 50 efectivos los comenzaron a reprimir con balas de goma y gases lacrimógenos. Una verdadera “cacería” que tuvo un saldo de 13 detenidos y cuatro heridos con balas de goma.
La intención del Centro era reconstruir un espacio para que lo disfruten y utilicen todos los vecinos de la Ciudad de Buenos Aires. Era el refugio de mucha gente que venía de lejos. Mientras los padres salían por la ciudad a realizar la ardua tarea de la recolección, el Centro era el lugar donde dejaban a sus hijos al resguardo realizando trabajo de apoyo escolar .El Centro dictaba talleres y se convertía en el refugio donde mucha gente podía tener un plato de comida y un lugar donde higienizarse.
Se pone de manifiesto aquí, una vez más la actual política de violación de los derechos humanos en la ciudad. El accionar de desalojo del Gobierno de la Ciudad fue de una inequidad catastrófica, totalmente injusta y de un monstruoso parecido a lo que sucedía en la década del 70.
Por otro lado, ese mismo día se concentraban frente a la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires muchas de las tantas Murgas porteñas, en reclamo del recorte presupuestario realizado por el Gob. De La Ciudad
Las murgas manifestaron que el jefe de gobierno porteño, Mauricio Macri, recortó en más de la mitad el presupuesto asignado para esas agrupaciones. Las mismas expresaron: "Macri quiere destruir el carnaval como parte de otro de sus ataques a la cultura"
Hay que recordar aquí la ley de la ciudad de 1997 donde se establece que la actividad carnavalera porteña es patrimonio cultural de la ciudad de Buenos Aires y se rescató el carácter tradicional, popular, callejero y barrial del carnaval, por lo que se conceden partidas presupuestarias a las agrupaciones murgueras.
Es cuestionable la postura que adopta el Jefe de Gabinete en su labor hacia la cultura en la Ciudad. Es necesario problematizar cuál es la concepción de cultura que tiene el Gob. De la Ciudad y a qué sector social están referidas las políticas existentes en la temática
Me gustaría hacer alusión de la paralización de las obras del Teatro Colón, el cierre de la Orquesta Académica, la desfinanciación de los teatros oficiales, el ataque a los centros culturales y el intento de aniquilación del sector de circo que se creó de forma autogestionaria durante estos últimos años.
Como Chivilcoyana que hoy, por diferentes circunstancias habita en Capital Federal, quiero hacer correr la voz, quiero que todos nos enteremos de las agresiones que recibe nuestra Cultura; la que todos los estudiantes y trabajadores construimos con dedicación y esfuerzo diario.

2009-08-18T10:52:00.000-07:00

El lugar del Cuerpo

“Un irresistible impulso de metamorfosearse y actuar co otros cuerpos y otras alma, tal es la condición primera de todo arte dramático”
F. Nietzsche

Superando la realidad física y su materialidad orgánica el cuerpo se presenta como una construcción simbólica de condición cultural. El cuerpo se presenta como un espacio donde se entraman tanto la experiencia individual como la social.
Tanto las representaciones del cuerpo y los saberes acerca del mismo son tributarios de un estado social, de una visión del mundo, y dentro de esta última de una definición de persona.
Distintos filósofos se esmeraron en encontrar un lugar para el cuerpo, me gustaría destacar por ejemplo el antagonismo que se produce entre el pensamiento Cartesiano donde el cuerpo se asocia al poseer y no al ser y la postura de Merlou Ponty donde el cuerpo está unido al mundo, hecho carne con el mundo y la postura Nietzcheana que considera al cuerpo con poder para lograr la transformación del mundo y de sí mismo. (sentirse dios)

Ahora bien ¿Qué lugar ocupa el cuerpo en las diferente expresiones artísticas?
En la pintura la figuración del cuerpo sobre el lienzo fue variando con el tiempo, no nos olvidemos que el arte proviene siempre de un contexto determinado.
Durante el Quattrocento el comerciante que era el prototipo del individuo moderno era retratado por diversos artistas. Con la invención del retrato la geografía del rostro se transforma. Según el sociólogo y antropólogo David Le Breton “La boca deja de estar abierta y glotona y adquiere significación psicológica, expresiva, del mismo modo que otras partes del rostro (…) La axiología del cuerpo se modifica. Los ojos son los órganos que se beneficin con la influencia creciente de la “cultura erudita”. En ellos se concentra todo el interés del rostro.” Que otra alusión se podría hacer más que nombrar “ La Gioconda” de Leonardo
Muy distinta es la figuración del cuerpo que se en el Cubismo de la cual me gustaría citar “La musa” de Picasso para entender cómo a partir de un mismo cuerpo ( de un organismo completo) se pueden hacer diferentes lecturas.
Es interesante desenmascarar mediante este medio, el lugar que ocupa el cuerpo en las artes escénicas cine, televisión y más rigurosamente en la danza.
Es fabuloso lo que nos sucede como espectador cuando vamos al teatro. Mientras dura la función nos olvidamos que los que están en escena son nuestros amigos, vecinos o familiares y creemos que son aquellos personajes que ellos esperan ser. El cuerpo del actor se transforma en el de su personaje.
Este trabajo lleva meses de preparación y los métodos para la construcción de un personaje son varios como el de Stanislavsky y su método de las acciones físicas que se basa en trabajos corporales individuales y grupales de relajación, concentración donde primero se busca sentir ser el personaje y luego se desarrolla el trabajo de mesa donde se trabaja con los libretos y la fijación de la letra. El otro procedimiento muy alejado temporal y metódicamente dado que es mucho más contemporáneo es el método de Grotowsky .Que trabaja puramente con la producción de significados a través del cuerpo.
No hay arte sin emoción. No hay arte sin cuerpos dispuestos a abordar una realidad paralela que nos permita experimentar lo que ésta no nos permite.

2009-08-18T10:47:00.000-07:00

HACE MUCHO QUE TE QUIERO
Hacía tiempo ya que no me pasaba algo semejante en el cine. El silencio reinaba en la sala. La gente no se atrevía a comer ni caramelos ni pochoclos. Salí sin poder hablar, casi hipnotizada.
“Hace mucho que te quiero” (Il y a longtemps que je t ¨aime), la ópera prima del escritor Philippe Cludel se estrenó el 16 de julio en Capital Federal así que no tardará mucho en llegar a las salas de la ciudad.
La película narra la vida de Juliette luego de quedar en libertad después de quince años en prisión y otros tantos de aislamiento, ya que su familia rechazó tener relación con ella después del crimen cometido. Los servicios sociales se ponen en contacto con su hermana menor, Lea, quien recibe su hermana después de tantos años sin saber nada de ella. Es el día a día lo que hará que estas dos hermanas dejen de sentirse como dos extrañas.
El aislamiento, en todas sus formas, es el principal tema que vertebra la película que da como resultado un drama familiar, sobre los lazos perdidos de dos hermanas que se reencuentran casi forzosamente. La identidad de la protagonista (Kristin Scott Thomas, muy vinculada tanto al cine norteamericano (Las hermanas Bolena), como al francés (El juego de los idiotas), nacionalidad de ésta, su última película) se construye en torno a la creación de un espacio de identificación del espectador con la figura de un presunto monstruo, cuyos pecados el tiempo no perdona ni perdonará. Philippe Cludel nos plantea entonces un dilema moral calibrando la hipótesis de una redención desde los infiernos del más abyecto de los crímenes. ¿Consiente la sociedad la reinserción de la oveja negra? ¿O sólo la consiente en virtud de la jerarquía ética de los crímenes perpetrados?
Una crítica en el diario dijo “El director se encarga de desenmascarar las entrañas de un presunto monstruo hundido en el dolor de una normalidad irrecuperable, tolerado sólo colateralmente por su entorno social y familiar, dispuesto a ensayar su reinserción pero siempre desde la hostilidad de la desconfianza.”Cuatro líneas que resumen 115 minutos de drama intenso.

2009-08-18T10:41:00.001-07:00

LAS ETAPAS DEL AMOR

Hay muchas teorías y libros que reflexionan sobre el Amor. Desde el dialogo platónico “El Banquete” se versa sobre el Amor y se ponen en común diversas teorías sobre este curioso sentimiento
Erich Fromm, uno de los pensadores más influyentes del siglo XX, dice en su libro “El arte de amar” que el amor es un arte, fruto de un aprendizaje. Si se quiere aprender a amar se debe actuar como si se quisiera aprender cualquier arte.
Según él, la práctica de cualquier arte tiene ciertos requisitos generales. La disciplina, la concentración, la paciencia y la preocupación. Fromm reflexiona sobre las distintas relaciones amorosas hasta con uno mismo, explica a través de sus páginas que el amor no es sólo una relación personal, sino un rasgo de madurez que se manifiesta en diversas formas: amor erótico, amor fraternal, amor filial, amor a uno mismo.
No solo hay libros que reflexionen sobre el Amor, sino que también existen distintas películas que lo hacen.
“El amor” Primera Parte” es una película Argentina del año 2004 dirigida por A. Fadel, M. Mauregui, S Mitre y J Schnitman
Ésta hace un recorrido de principio a fin de la relación que contraen Leonora Balcarce y Luciano Cáceres. Desde que se conocen, las euforias del enamoramiento, sus primeras salidas, la convivencia, la rutina, la pelea, el fin. ¿Cómo y por qué dos personas se enamoran? ¿Cuándo comienzan a ser una pareja? ¿Cuándo comienza el final?
Es interesante como la película va intercalando el suceso de hechos con una voz en off y placas informativas de cómo actúa el Amor biológicamente. Según esta película, lamento informarles, el Amor no dura más de dos años.
La segunda película: “Manualle d ´Amore”,al más puro estilo de la comedia italiana del 2005 dirigida por Giovanni Varonesi se encarga de tomar de la realidad cuatro historias cotidianas y extraordinarias a la vez con un denominador común: El amor.
Situaciones por las que pasan muchas parejas a lo largo de sus vidas. El enamoramiento, la crisis, la traición y el abandono
En ambas películas hay un interlocutor que apela directamente al espectador hablándole en primera persona, involucrándolo a participar de un viaje que habla de nosotros, de todos nosotros.

2009-07-20T12:44:00.000-07:00

EFECTO PLACEBO

Cuando enfermo y vivo largos días en cama pasan ante mis ojos todos los canales en menos de cinco minutos. Veo sin mirar. Sólo busco cansar mi vista para poder dormir y hacer que las horas corran más rápido.
En los días de reposo todo es mas sensible, el cuerpo y el alma. Uno toma conciencia de sí. ¿Será por que lo único que tenemos que hacer es descansar y nuestro tiempo de reflexión y meditación acrecienta abruptamente?
En estos días llegué a creer que hay películas que tienen un efecto placebo (El efecto placebo se define, como las modificaciones objetivas o subjetivas que se producen en el estado de un paciente al que se le ha administrado un placebo, es decir, un medicamento que, o bien no tiene actividad alguna, o bien no está indicado para el uso que el paciente cree.)
De chica cada vez que enfermaba mamá se ocupada de alquilar por varios días la película “Mary Poppins”. Hoy, con el correr de los años “Mary Poppins” fue deslizada al rincón de los recuerdos y ocupa su lugar la película “Little Miss Sunshine”
Película que ya había visto antes, pero cuando se está en reposo, se transforma en un medicamento más de los tantos que estás tomando.
Me hace bien, me alivia el alma, el dolor, me hace compañía y se queda dando vueltas en la cabeza por varias horas, lo cual me hacer autoconvencer de que estoy ocupado.
“Little Miss Sunshine” es una película estadounidense del año 2006, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris. La película ganó el Oscar al mjor actor de reparto con Alan Arkin y Oscar al mejor guion original y fue candidata al Oscar a la mejor pelicula.
El argumento de la película trata del viaje que Los Hoover deben realizar a California para presentar a su hija Olive (Abigail Breslin) a un concurso de belleza llamado Pequeña Miss Sunshine. Durante el largo viaje las personalidades de los miembros de la familia salen a flote y se ven los problemas que surgen gracias a ello. Cotidianidad, relaciones familiares es lo que nos muestra el viaje en la furgoneta Volkswagen amarilla donde se dan cita el abuelo de Olive y padre de Richard (Alan Arkin) quien ayuda a Olive con el concurso, el tío Frank (Steve Carell) profesor experto en la obra de Marcel Proust que se recupera de un intento de suicidio tras ser abandonado por su novio, y el hermano de Olive, Dwayne (Paul Dano) fanático de Nietzsche quien realiza un voto de silencio hasta ingresar en la Fuerza Aerea de los EEUU
Un amigo a quien le agradezco por el ánimo que da con sus palabras, me dijo hace poco: quien dice que podamos hacer algo por alguien que en algún lugar este buscando algún tipo de aliento, siendo el arte más sanador y salvador, a mi entender y experiencia, que la religión.
A todas las personas que se encuentren en reposo, un consejo: Busquen aquella película que ayude aliviar su dolor. Ojalá mi experiencia los ayude en la búsqueda.

2009-07-20T12:37:00.000-07:00

“Un hombre cuenta sus historias tantas veces que al final él mismo se convierte en esas historias. Siguen viviendo cuando él ya no está. De esta forma, el hombre se hace inmortal”.

Dos acontecimientos importantes y significativos en mí como la muerte de unos de mis peces con el que llevaba horas de contemplación y la celebración del día del padre me conducen a escribir sobre esta película, este domingo.
“El gran pez” (2003) es una película de Tim Burton totalmente alejada de su estética gótica que lo caracteriza. La película cuenta la historia de un hombre querido por todos, Edward Bloom (interpretado en diferentes momentos de su vida por Ewan McGregor y Albert Finney) que siempre tiene una historia a mano que supera todos los límites de la realidad. Historias que fue enriqueciendo en cada versión. …“Fue aquella noche cuando Carl encontró su destino, y yo el mío… casi. Dicen que cuando conoces al amor de tu vida el tiempo se detiene… y es verdad. Lo que no dicen es que cuando se vuelve a poner en marcha, lo hace aún más rápidamente para recuperar lo perdido”.
Toda su vida parece haber transcurrido en una dimensión paralela, en un mundo distinto al nuestro, algo que todo el mundo acepta y escucha pero que no entra en la cabeza de su hijo (Billy Crudup), quien harto de las historias de su padre y de su afán para llamar la atención, termina enemistándose con él. No se hablaron durante tres años pero cuando la salud de Edward sufre una recaída, su hijo decide volver a su hogar no sólo para acompañarlo en sus últimas horas, sino también para averiguar la verdad de todas sus historias.
“El gran pez” nos permite reflexionar sobre el arte de la narración oral y las transformaciones por la que pasan las historias a lo largo del tiempo. La película nos hace recordar a las historias trasmitidas por nuestros padres durante la infancia, esas historias exuberantes, en las que no hay grises y todo es extremo. Historias que se quieren escuchar una y otra vez, pero la infancia termina, los requisitos hacia los padres son otros y siguiendo nuestra fastidiosa lógica, los cuestionamientos no tardan en llegar. Los padres dejan de ser la única referencia con respecto al mundo exterior y uno empieza a hacerse su propia idea del universo. Es lo que le pasa al hijo de Edward Bloom, quien necesita que la figura de autoridad del padre no se diluya en un montón de historias fantasiosas. Lo que no entiende su hijo es el mundo fantástico que Bloom se ha inventado es más luminoso, más colorido e interesante que ése en el que ha vivido de verdad, que su padre prefiere la ficció ates que la total realidad. Y la obstinada indagación de Willy sólo lo llevará a descubrir que el muro que separa la realidad de la ficción es muy permeable.
Gracias por todas tus historias papá.

2009-07-02T15:49:00.000-07:00

FREAKS

Les quiero comentar este domingo sobre una película que fue prohibida en varios países por las monstruosidades que en ella se veían.
Es la única película en la historia de Hollywood que tiene como prólogo una disculpa por la productora diciendo que gracias a los avances de la tecnología, no se verán más fenómenos como los que muestra la película.
"Freaks" es una película filmada en 1932, producida por el más grande de los grandes estudios (MGM); producida por su productor estrella, Irving Thalberg y dirigida por uno de los directores más valorados en ese momento: Tod Browning. La historia muestra la vida de un grupo seres humanos con deformidades (los "Freaks" del título) que viven en un circo itinerante. En ese marco de feria se desarrolla una trama melodramática en la cual dos personas de constitución física "normal" intentan humillar y estafar a uno de dichos "fenómenos" – lo que desbocará en una brutal venganza por parte de los "freaks".
La particularidad de esta película es que como actores se apeló a seres humanos con deformidades y malformaciones naturales - sin recurrir a efectos de maquillaje o especiales. Esta cualidad hace única la película y permite efectuar una serie de reflexiones sobre el cuerpo y la deformidad. ¿Es aceptable la manipulación del cuerpo en el arte?
Me gustaría poder hacer aquí una comparación con la película "The Cost of Living" de DV8 que comenté aquí hace unas semanas.
En aquella David, el bailarín sin piernas, es interpelado y humillado por un videasta que le pregunta insistentemente sobre todas las dificultades que puede tener para desenvolverse en un mundo hecho para la gente con dos piernas. Si bien David responde con altura, la mayor respuesta la dan sus amigos bailarines que efectúan una danza desplazándose casi exclusivamente con los brazos, como si no "tuvieran piernas". Lo que quiero destacar es que mediante esta danza David es integrado, a pesar de su incompletad, en el mundo de los que tienen dos piernas. David es uno de los hombres de dos piernas. David es "uno de nosotros".
Pero los freaks saben que nunca van a ser como los seres humanos de "organismo normal" y en el fondo hay una consciencia de que podrán ser tolerados pero nunca aceptados. No buscan la integración. No buscan ser "uno de nosotros" porque ya son "uno de ellos".
De la misma manera que los freaks en su individualidad utilizan estrategias particulares para realizar eficazmente diversas tareas que serían extremadamente sencillas de efectuar por un ser humano de "organismo completo", en tanto grupo, también están completamente inmersos en el mundo a partir de la consciencia de su otredad corporal.
Esta noción de grupo lleva a abrir una reflexión que excede los límites de este artículo pero no deja de causar gran curiosidad: Ese grupo no solo tan unido sino tan consciente de su unidad. ¿No puede también ser entendido como un organismo en el sentido más biológico del término?

2009-06-15T15:52:00.000-07:00

“THE COST OF LIVING”

Esta es la parte que más me fascina, cuando no tengo nada en mente y de repente se aparece en la pantalla una foto de algo que me encantaría mostrarles.
Algo que me dejó totalmente atónita (y eso que lo vi en un tv 21´ a 10 metros de distancia, sentada en el frio piso de la Facultad de Filosofía y Letras.
Dura 34 minutos pero queda repercutiendo en uno por mucho más que eso.
No es cine. No es teatro. No es danza. No es música. Es el resultado de la combinación de estos elementos que muestran una nueva forma de hacer arte. Una producción de las manifestaciones artísticas que entrelazadas evidencian el lenguaje a través del cuerpo.
“The cost of living” es una producción de DV8 una compañía inglesa que, disconformes con todo lo que se venía proponiendo en el campo de la danza contemporánea crearon esta propuesta que ellos denominan “Teatro físico”, algo que se conoce como una rama del llamado teatro contemporáneo, en el cual destaca el lenguaje físico como principal motor de la dramaturgia del espectáculo teatral, por sobre el texto y la narrativa, predominantes en el teatro tradicional de occidente. (Esto puede vincularse con la teoría de la actuación de Grotowski, quien se basa en la corporalidad del actor por sobre todo.) DV8 surge en 1986 y está dirigida por dirigida Lloyd Newson bailarín y coreógrafo.La cátedra de Teoría General del Movimiento lo categoriza como video-danza. Yo no lo pude categorizar, y creo que este es el punto que hay que destacar: cuando algo te deja sin palabras, cuando sólo se lo puede definir por lo que no es.
El mediometraje trata de dos personajes: David y Eddie, dos artistas callejeros que luchan por arreglárselas en un pueblo junto al mar. Eddie es duro y no tiene miedo a defender sus convicciones. David es un hombre temerario, determinado a no dejarse obstaculizar por sus desventajas físicas o los prejuicios de los demás. Vamos siguiendo sus dificultades mientras trabajan, discuten, viven romances y rompen viejas amistades.
DV8 revela una manera no convencional de aproximarse al movimiento. Una forma de mostrar la alienación del cuerpo y el borramiento que se produce en la vida cotidiana Expresa la conciencia que tienen los personajes de la imagen con la que se presentan ante el resto
Hay una secuencia donde un personaje comienza a bailar cada vez desenfrenadamente dejándose llevar por la música donde nos muestra la destructuración del cuerpo, el movimiento y el gesto. “El gesto es al movimiento lo que las palabras al lenguaje”. Una analogía que permite mostrar la importancia del gesto en el lenguaje corporal dado que por el cual se manifiesta todo lo interior. Se expresa a través de los gestos que son a su vez lo que conforman el movimiento.
Aunque no me resulte fácil poner en palabras lo que se siente y se ve frente a una obra de arte como es “The cost of living”, espero que se entienda a través de estas líneas.
Se puede ver por internet, pero si no lo encuentra me encargo de acercarle una copia.

2009-05-31T10:09:00.000-07:00

El nacimiento del teatro Occidental

El teatro nace en Grecia gracias ceremonias religiosas que se hacían en honor a Dionisio con el canto del ditirambo realizadas tres veces al año para las fiestas Dionisiacas.
En función a la riqueza de cada demo, las ceremonias podían presentar desfiles con danzas y cantos para la celebración del culto a Dionisio.
Los participantes llevaban trajes de fiestas muy coloridos, una corona religiosa y una máscara para el desfile del primer día de la fiesta. Los actores eran sagrados y se consideraba sacrilegio a todo delito cometido durante las Dionisiacas.
Las fiestas Dionisiacas comenzaban con un desfile, el Proagón, durante el cual los poetas, actores, bailarines y cantantes eran presentados a la multitud. Durante la procesión la estatua de Dionisio era sacada del templo y conducida al teatro donde se instalaba solemnemente. En las grandes Dionisiacas se cantaba el ditirambo por parte del coro y es en realidad, con la aparición del primer actor es que nace el teatro occidental propiamente dicho. Se dice que fue Tespis el que inventó el actor, el primer actor. Con Esquilo aparece el segundo y con Sófocles el tercero. Es fácil suponer que de Tespis a Sófocles crezca la parte de la acción y disminuya las funciones del Coro. El Coro tenía funciones de plegarias, invocaciones, oraciones; procesiones y ofrendas; funciones narrativas al servicio de la acción. Se componía de doce a quince coreutas para la tragedia y de veinticuatro para la comedia. Tenía acompañamiento musical y una métrica distinta a la de los actores Se dice que el Coro era el observador ideal dentro de la obra. Para Barthes el coro obligaba al público a una meditación lirica e intelectual al mismo tiempo.
El edificio teatral era completamente distinto a nuestra concepción actual del mismo. No era una sala cerrada y cubierta donde se podían realizar representaciones a toda hora. Era un edificio al aire libre, donde las representaciones sólo eran posibles en pleno día y cuando la temperatura lo permitía.
Estaba conformado donde sería actualmente la parte del escenario, por: la Orquestra que era una explanada circular sobre la que evolucionaba el coro y los bailarines. Formaba siempre un círculo completo, donde en el centro del área se levantaba generalmente un altar en honor a Dionisos
Hablo del Dios expuesto y del Dios oculto porque no existía la actual frontera entre realidad y ficción sino que se daba una barrera entre el Dios oculto y el Dios expuesto que se manifestaba a través de los actores en la representación o se hacía presente desde la Skené o por su ubicación en el altar de la Orquestra.
El lugar del Dios oculto era la Skené, una construcción baja, detrás del Proskenion (lugar donde se encontraban los actores) difícilmente asimilable a nuestros bastidores. A pesar de que la palabra siempre sea traducida como escena, Skené primero significó carpa y luego carpa sagrada, dado que a veces la fachada exterior está provista de un pórtico de columnas, que asegura un refugio a los actores en caso de lluvia.

Creo que “Edipo Rey” de Sófocles, es un buen punto de comienzo si le interesa indagar sobre el teatro griego. Se ve claramente la composición de la tragedia, la función del coro y la evolución del personaje, que comienza viviendo una situación de supuesta felicidad y por cometer un acto de soberbia, de desmesura, se produce el error y se desencadena la tragedia. Lo cual lleva al lector a sentir compasión y temor lo que origina la purificación del alma, es decir la Catarsis, que es el propósito de la tragedia.
Woody Allen tiene un film,“ Poderosa Afrodita “ de 1995, por la cual se puede explorar el mundo del teatro en Grecia pero mediante el cine y una problemática actual en la cual el protagonista se vuelve involucrado. Una historia similar a la que vive Edipo pero con sus diferencias.

2009-05-31T10:03:00.000-07:00

Emir Kusturica

Emir Kusturica es un director serbio que se destaca por el estilo único de sus películas. Él finalizó sus estudios en la Academia de Artes Interpretativas de Praga (1978) donde comenzó con su carrera cinematográfica. Luego de algunas de sus películas como “Guernica” y “Cuando mi padre salió de viajes de negocio”, ambas con reconocimientos en distinguidos festivales rodó “Tiempos de gitanos” (1989) una de aquellas que a uno lo dejan atónito, una aguda pero mágica mirada de la cultura gitana y la explotación de sus jóvenes. Donde muestra desde lo cotidiano, los lazos que se entrecruzan entre el poder, la ambición, la familia, el amor y el deseo ascender socialmente dentro de esta cultura.
Kusturica siguió realizando grandes películas dentro de la siguiente década, incluyendo su debut en Estados Unidos con una comedia absurda como es “Sueño de Arizona” (1993). Luego de dos años rodó “Underground” con la cual ganó la Palma de Oro en 1995. La película se centra en la historia de Yugoslavia desde el inicio de la Segunda Guerra mundial hasta la guerra de los Balcanes, iniciada en la década de los noventa. Una película de unas tres horas, un trama excelente. Esta película supone una revisión crítica, en tono satírico y tragicómico, de un sistema político y de la identidad de un pueblo. Un relato sobre la ambición y la dignidad, el sentido de la historia o las fronteras que separan la realidad de la ficción.
"Gato blanco, gato negro" es una prolongación de "Tiempo de gitanos" y de la ya antes mencionada "Underground". Es una mezcla de comedia y de drama sin solución de continuidad, que hace recuento del pasado y toma el pulso a esos nuevos tiempos en los que sus personajes viven mejor cuanto peor funciona su entorno, auténticos reyes de la marginalidad, timadores timados en una civilización en la que ya no quedan puntos de referencia y los hasta ahora existentes se convierten en sus iguales en el arte del trueque y del regateo.
Este director serbio fue quien eligió a nuestro Dios, Diego Armando Maradona, para realizar una película sobre su vida. Es raro que un serbio escriba sobre realidades argentinas, pero les aseguro que es una película que vale la pena volver a mirar una y otra vez.
Hoy en día anunció que creará una ópera-película basada en la famosa novela "El puente sobre el Drina", del premio Nobel yugoslavo Ivo Andric. Kusturica declaró en Mokra Gora que esa novela "es la esencia de nuestro pasado, actualidad y futuro", y que su idea es "traducirla" al idioma de ópera y película.
Un dato extra y esencial es que Emir Kusturica es parte de una banda “The no smoking orchestra”, encargada de las bandas sonoras de sus películas y con la cual visitó Argentina a fines de 2008, en donde brindó un espectáculo alucinante.
Las películas de Kusturica, les aseguro, son un fluir de imágenes sobrecargadas que quedarán para siempre grabadas en la memoria.

2009-05-31T09:57:00.000-07:00

Feriado para la reflexión.

Se conoce como Revolución de Mayo a la serie de eventos que sucedieron en mayo de 1810 en la ciudad de Buenos Aires, por aquel entonces capital del Virreinato de Río de la Plata, dependencia colonial de España. La Revolución de Mayo inició el proceso de surgimiento del Estado Argentino sin proclamación de la independencia formal, ya que la Primera Junta no reconocía la autoridad del Consejo de Regencia de España en Indias, pero aún gobernaba nominalmente en nombre del rey de España Fernando VII.
Los acontecimientos de la Revolución de Mayo se centraron en una semana conocida como la Semana de Mayo, transcurrida entre el 18 que fue cuando se confirmó de manera oficial la caída de la Junta de Sevilla, hasta el 25 de mayo.
Antes de comenzar a explorar la relación de este acontecimiento con la producción artística nacional, quiero destacar la magnitud y lo que significó para todos los habitantes del territorio argentino que se produjese la revolución.
La historia de la humanidad distingue tres tipos fundamentales de formas de explotación del hombre por el hombre: la esclavitud, el feudalismo y el capitalismo. El Virreinato es un feudalismo adaptado a América que se instauró después de 1492 después del “descubrimiento” de América.
Depende de que punto de vista, la llegada de los españoles puede ser un progreso o un genocidio, si tenemos en cuenta que la conquista significó la destrucción física de la mayoría del pueblo indígena, además de las enfermedades o epidemias fue una verdadera desestructuración social, familiar y cultural. Aunque algunos pueden ver la conquista como un “encuentro de culturas”, que en los hechos significó la aniquilación de pueblos y naciones americanas. Tomando a Azcuy Ameghino lo considero como una verdadera catástrofe demográfica.
La conquista fue en primer lugar un robo, saqueo, de todas aquellas riquezas palpables de los pueblos americanos, y en segundo lugar, luego del “descubrimiento” y en base a los derechos de la conquista comenzó la repartición y explotación de las tierras. Creo que en el día de la fecha debemos además de descansar, reflexionar sobre estos sucesos y hacer notar la importancia que tuvo la Revolución en nuestra conformación como Estado Nacional.
Pasaré a hora a comentarles que la ideología dominante impone un modo de producción y precede de una mentalidad generada por un contexto histórico. Los acontecimientos nacionales siempre se ven plasmados y reflexionados en el arte y forman parte del contenido de la obra. La conquista dio como resultado una gran producción artística por parte del cine mexicano y la protección de todo el patrimonio Maya, Inca y Azteca.
Con respecto a la Revolución de Mayo, al cumplirse los primeros cien años, se tuvo la necesidad de plasmar los sucesos en las diversas manifestaciones artísticas.
Podría citar miles de cuadros, obras teatrales y música en relación a los hechos de la Semana de Mayo, pero decidí elegir dos. El más popular y aquella que hasta el día de hoy no conocía.
El cuadro del pintor chileno Pedro Subercaseaux “Cabildo abierto del 22 de mayo de 1810” realizado en 1908 (la típica figurita de Billiken) refleja lo acontecido aquel día de mayo desde el punto de vista de un extranjero.
Por otro lado navegando por internet encontré una película muda titulada “La Revolución de Mayo” realizada en 1909 por el director Mario Gallo, un italiano pintoresco que había llegado a la Argentina en 1905. Era entonces director de coros de un elenco de operetas y no imaginaba que su vida tomaría nuevo giro debido al cine Él fue el primer realizador de ficción en la Argentina y su primera película fue “El fusilamiento de Dorrego”, (1909). Tras esta producción siguieron una serie de trabajos de carácter histórico como La “Revolución de Mayo” (1909), primer filme de ficción con actores profesionales estrenado en 1910, y “La Batalla de Maipú” (1912)
¿Qué sucederá para el bicentenario?

2009-05-22T09:22:00.000-07:00

BRASIL
Qué mejor que conocer el mundo a través del cine? Sí, es raro conocer la realidad a través de la ficción pero en mi experiencia personal, fue una de las mejores maneras para conocer el mundo y otras culturas y vivencias
Elegí para “recomendar” este domingo dos películas brasileras basadas en hechos reales: “Ciudad de Dios” y “Carandiru” ambas de 2003. Fuertes, donde uno se quiere tapar los ojos constantemente para no ver lo qué sucedió. El cine nos permite adentrarnos de una manera interesante dentro de una favela en Rio de Janeiro en los años 60 y en una de las más grandes prisiones que existieron en San Pablo en la década del 90.
"Ciudad de Dios" es un drama criminal dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund. Es una adaptación de la novela de Paulo Lins, (1997), quien se basó en una historia real para la redacción de su novela. La película se centra en la guerra que se desencadena entre Zé Pequeño y Mané Galinha en el territorio brasileño al que llamaban Ciudad de Dios.
La frase que identificó a la película fue: "Lucha y nunca sobrevivirás... Corre y nunca escaparás...". Hay algo que destacar: muchos de los actores fueron residentes de favelas como Vidigal y la misma Ciudad de Dios.
La película comienza en los años 60, cuando jóvenes como Dadinho y Bené son pequeños delincuentes en la favela. La película cuenta el desarrollo de la vida de Buscapé (Cohete) en Ciudad de Dios hasta los años 80.
Con respecto a “Carandiru” se trata de una de las penitenciarías más grandes que hubo en San Pablo con celdas superpobladas, instalaciones decadentes, enfermedades como la tuberculosis y comienzos de la epidemia de SIDA. Los presos no tienen acceso ni a cuidados médicos ni a asistencia legal. Carandiru albergaba más de siete mil prisioneros.
La historia tiene como punto de partida una cuanta que saldar dentro de una de las celdas entre dos presos; Lula y Dagger. Otro preso, Black Nígger, interviene mediando la disputa entre los prisioneros. El “juez” autoproclamado resuelve el caso a tiempo de dar la bienvenida al nuevo Doctor, encargado de comenzar un programa de prevención del SIDA en la penitenciaría.
La película se cuenta desde el punto de vista de un médico que hace visitas regulares a la Penitenciaría. Mientras el médico trata a los prisioneros escucha cientos de sus historias, sobre amor y pasión, crimen y amistad. Relación que va creciendo con el pasar de las visitas donde se ven las experiencias por la que pasa el “Doc” que, tras trabajar allí durante unos meses descubre algo que le transformará: los reclusos, incluso en esta detestable situación, no son figuras demoníacas. En el contacto diario con los prisioneros en su improvisada oficina, el Doctor es testigo de la solidaridad, organización y, sobre todo, las inmensas ganas de vivir. Relación que termina con una masacre en el año 1992 que se llevó 111 muertos.
Anímense, disfruten de la atmosfera tensa que se vive conociendo historias brasileras en cada segundo de estas películas.

2009-05-01T15:13:00.000-07:00

TIEMPOS MODERNOS

Lo que nos diferencia de los animales es la capacidad de producir nuestros medios de vida, nuestra vida material, que es lo que manifiesta lo que somos concretamente. Utilizamos nuestras fuerzas de producción para la satisfacción de necesidades básicas, que en cuanto se satisfacen, surgen nuevas necesidades originadas gracias al mundo en el que vivimos.

Para lograr acumulación de capital, para generar así mayor producción se implementaron distintos métodos. Entre ellos la división del trabajo. Gran hallazgo del capitalismo
En “Tiempos Modernos” Charles Chaplin en una producción increíble de 1936 nos muestra claramente cómo funciona esta división del trabajo entre lo intelectual y lo manual y cómo se produce la alienación del hombre bajo el sistema Taylorista.
Charles Chaplin interpreta a un obrero, cuyo trabajo consiste en atornillar dos tuercas a la vez a gran velocidad, la cual no lo deja ni siquiera sacarse una mosca de la cara porque pierde el ritmo de trabajo. Esto le produce un tic nervioso que lo hace llegar a la locura. Comienza a ejecutar la acción dentro y fuera del trabajo con objetos y personas. Por esta razón es llevado al manicomio. Cuando sale, debido a una confusión le toman por líder comunista de una manifestación y es encarcelado. Al recuperar la libertad, un ministro le consigue un trabajo en un barco, pero el primer día, hunde un barco y se hace detener para volver a la cárcel, donde se encontraba más seguro, que viviendo libremente. En su camino a la cárcel choca con una joven huérfana y después de varios encontronazos, decide empezar a trabajar para poder irse a vivir con la chica. Le dice a ella que ya ha encontrado una casa para los dos. Al finalizar encuentra trabajo en una fábrica, y tiene la esperanza de poder encontrar una casa mejor. Los obreros de la fabrica se ponen en huelga y en la manifestación Charles vuelve a ir preso.
El final de la película, es un característico final “feliz” de esos tiempos, que nos muestra la otra cara del capitalismo, donde triunfar se convierte en otra típica historia de la cultura de masas.
Existe otra forma de vender nuestras fuerzas productivas. Que el primero de mayo no sea un feriado dominguero sino un día de conmemoración a todos aquellos compañeros que fueron asesinados por defender sus derechos y de reflexión acerca de nuestra situación actual como trabajadores.

2009-05-01T15:05:00.000-07:00

Le fabuleux destin d´Amélie Pourlain
Lo menos importante de esta película, les aseguro, es el argumento. A tal punto que podría relatarse toda la historia, cada una de las pequeñas historias que componen el relato, y hasta adelantar el final que la película no perdería nada de su encanto. Les voy a contar de una película que es realmente hermosa, de aquellas que te hacen sentir el alma, aquellas que uno puede ver y ver infinitamente hasta la vejez.
“Amélie” (El fabuloso destino de Amélie Pourlain) de Jean-Pierre Jeunet, se trata de un film que como bien dijo su creador “ fue concebido para dar felicidad a la gente".
“Amélie” fue estrenada en el 2001.Es una película poética y donde la magia se encuentra en el corazón de los personajes más que en sus actos.
Si existe algo que se destaca en “Amélie” es el valor de las pequeñas cosas, esos pequeños placeres de lo cotidiano a los que a veces no se presta la suficiente atención. Esos placeres que ya no disfrutamos porque estamos ocupados buscando aquellos que no están a nuestro alcance cotidiano. Por eso cada nuevo personaje que entra en la escena es precedido por una descripción de las cosas que le gustan y desagradan. Pequeñas cosas, que de alguna manera componen al personaje. Porque son en realidad esas pequeñas cosas lo que nos constituye como persona. Todo está en los pequeños actos. No hace falta más para descubrir la verdad de las cosas. La fantasía, o mejor dicho, la capacidad de fantasear es otro de los valores que se destacan en “Amélie”.
Otro aspecto que me gustaría destacar de la película, es su carácter metafórico. Todo el tiempo las metáforas adornan la escena. Y además hay que resaltar la importante composición del personaje que hizo Audrey Tautou (la actriz que interpreta a Amélie) que con sus gestos y miradas le da un carácter muy especial al personaje, sobre todo cuando mira directo al foco de la cámara, como buscando la complicidad del espectador e invitándolo a entrar a su mundo.
No me quiero exceder en elogiando a la película pero no dejen de prestar atención a la excelente banda sonora de la película realizada por Yann Tiersen y los romanticos paisaje de Paris.
“Amélie” es como el cuento de Antoine de Saint Exupéry “El principito” donde desde la inocencia de sus personajes nos enseña a ver el mundo desde otro punto de vista, que a su vez, el mismo va cambiando dependiendo de nuestra edad y el rumbo que le otrgamos a nuestra lectura. Esto también es algo que se da en el arte. La capacidad de estando frente a un objeto una o más personas, poder ahcer de éste múltiples lecturas. La subjetividad hace al arte, a la película, al libro.
Y como en este caso, quiero hacer que mi fascinación por “Amélie” llegue a todos ustedes para que de algo tan subjetivo surja una aparente objetividad. Que es lo que surge con todas las Obras de Arte.
Hago un paretesis aquí. No quiero dejar fuera del articulo otra de las películas de Pierre Jaunet:”Delicatessen” (1991) donde se ve claramente el gusto por las situaciones y los personajes extravagantes y la importancia de la estética donde la armonía y disonancia se entrelazan de manera tal, que da como resultado verdaderas obras de arte provenientes del cine.
Es algo fabuloso a las dimensiones a la que llega el arte en la época de la reproductibilidad técnica.

2009-04-10T23:05:00.000-07:00

CINE Y RELIGION

Me gustaría destacar esta semana cómo el cine se apropia de la religión como herramienta para la trama de ciertas películas. En realidad, me gustaría poder mostrar como el cine se nutre de la fe originada de determinado grupo social perteneciente a la religión Cristiana Católica Apostólica Romana, para la producción de películas.
La vida, la muerte y la resurrección de Cristo son utilizadas con un fin religioso para expresar la vida y el sufrimiento de Cristo o como mero contenido de un film. Me pregunto entonces: ¿la religión se apropia del cine, o el cine de la religión, o es que existe realmente una retroalimentación entre estos fuertes componentes sociales como lo son el arte y la religión?
Aquellas películas que están sujetas a temas religiosos como “El código da Vinci”; “Estigma”; “La pasión de Cristo” tuvieron éxito gracias a la fe de los enunciatarios de la película, más que por la composición y producción artística realizada por el enunciador. El “éxito” de este estilo de películas está prácticamente centrado en la fe de su público. El “éxito” es exterior a la película.
Recuerdo haberme negado a ir a ver “La pasión de Cristo” porque no era una película que me llamase la atención dado que no creía ni en Cristo, ni en todo lo que mostraba la película. Terminé yendo. Los comentarios de mis compañeros creyentes me movilizaron hacia la puerta del cine. No sentí nada más que impresión por la cantidad de sangre que corría por la pantalla. Ahora entiendo que películas de ese estilo no hubiesen sido lo que fueron sin el nutriente esencial como es la fe de su público. (y la publicidad masiva que se le hace por parte de las instituciones).
Otro punto que me llama la atención es que el Cristianismo utiliza al cine como herramienta de educación, dado que hay películas animadas para chicos desde la creación hasta el Nuevo Testamento, y cada año surgen nuevas películas bíblicas, de estilo documental, mostrando con total convicción la verosimilitud de los hechos. Aquí queda reflejado claramente cómo la religión se apropia de un arte masivo para llegar a sus fieles. Esto es exactamente lo mismo que ocurría en el Renacimiento, donde la religión utilizaba a la pintura, la escultura como medio para llegar a la multitud de fieles que no sabían leer. Los vitrales, las estaciones del Vía Crucis son ejemplos concretos para mostrar esta apropiación del Arte por parte del Cristianismo para alcanzar la masividad que tiene hoy.
Es muy contradictorio lo que sucede en la actualidad con respecto a las representaciones religiosas dentro de las artes plásticas. El Cristianismo es tema de polémicas diversas y contradictorias en el arte contemporáneo.
La decisión final sobre esta relación que se da entre el cine y la religión está en cada uno de nosotros ¿La religión subordina al cine o este es subordinado a la religión? Yo solamente me quería encargar de plantear la inquietud.
Felices Pascuas a todos los creyentes. Amén.

2009-03-27T06:55:00.000-07:00

TRIBUTO AL SÉPTIMO ARTE

Pensaba escribir para este domingo un tributo a Igmar Bergman pero con el paso de los días, todo se volvía algo inestable, entonces retrocedí y opte por hacerle un homenaje al cine y a sus pioneros, aquellos que sentaron la base de ese séptimo arte incipiente. Aquellos que fueron el cimiento para que directores como Bergman pudieran explorar el magnífico mundo del cine
Historiadores y teóricos del cine están de acuerdo en considerar la época de los pioneros (aproximadamente desde 1895 a los primeros diez años del 1900) como una fase de descubrimiento y definición de una técnica reproductiva. La técnica de filmación era frontal, sin articulación de planos ni variación de ángulos, lo que es llamado habitualmente como un modo de representación primitivo (MRP). El descubrimiento de la técnica fue esencial para el desarrollo de lo que vendría luego. Mi agradecimiento eterno a los Hermanos Lumiére, a Mélies por su interés en indagar sobre las posibilidades que podían establecer una cierta cantidad de fotogramas dentro de la linterna mágica. Y con ellos comienza una gran cadena de agradecimientos que continúan hasta el día de hoy.
A partir del descubrimiento de la técnica, aparece en la década de 1910, David W Griffith, el nombre que le dio forma a los procedimientos técnicos. Fue quien realizó una organización lógiconarrativa de los planos, permitiendo hablar así de un nacimiento del lenguaje cinematográfico, para poder mostrar otras de las tantas posibilidades que ofrecía el cine. Ya no sólo se mostraban imágenes, sino que se contaba una historia. Naturalmente, el cine llegó a estos resultados no sólo al trabajo de Griffith: fueron necesarios el trabajo, la dedicación y la experimentación de muchos, consiguiéndose así diversos resultados parciales que, convirtiéndose en patrimonio común, aceleraron la formación de un nuevo lenguaje. Mi homenaje a ellos que sentaron la forma de un modo de representación institucional (MRI) que luego iría a ser interceptado por las Vanguardias Históricas.
En Europa a partir de la década de los años diez, y con mayor intensidad durante la década de los años veinte, se desarrolló una compleja interacción entre cine y vanguardias artísticoliterarias que dio como resultado una nueva forma de hacer cine.
Quiero citar en este humilde articulo a la película “El gabinete del Dr. Caligari” (1919) de R Wiene que basado en una estética expresionista logró crear una estilo único que se conoce como expresionismo alemán. “El acorazado Potemkin” (1926) de Eisenstein muestra la elaboración de una especie de gramática de la comunicación visual basada esencialmente en el montaje, los cineastas rusos participaron en un movimiento político que creía en la posibilidad de liberar el arte de las condiciones de incomunicación y aislamiento en que lo había colocado la cultura burguesa, para convertirlo en uno de los elementos propulsivos de una nueva sociedad. Eisenstein creía que su rigurosa planificación desde el montaje podía influir en la mente del espectador, lo que se llama teoría del montaje intelectual.La técnica- la imagen- el silencio- la narración- la vanguardia, palabras esenciales que ayudan a mostrarnos todo lo que podemos ver hoy.
Si usted ya tomó parte de su tiempo para leer el artículo y llegó hasta este párrafo, tómese unos minutos o si quiere unas horas o el tiempo que lo desee e indague sobre lo que le estuve comentando. En internet y en unos pocos minutos, gracias www.youtube.com (También en algunos de los video clubs de la ciudad ) puede explorar el nacimiento del cine, el trabajo de sus pioneros y la realidad que ellos procrearon..Le aseguro que lo que va a ver es fascinante. (No me hago cargo de las posibles adicciones)
Infinitamente agradecida, rindo un homenaje al arte que se apropió de mis días.

2009-03-07T07:39:00.000-08:00

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“Infinita tristeza late en mi corazón/ infinita tristeza escaldada pasión/ infinita pobreza tu sombra en la pared/Infinita tristeza viento de Washington”
Manu Chao

Creo que este artículo no merece un título. Iba a escribir sobre este tema el 24 de marzo, con respecto al comienzo de la dictadura militar de 1976 pero me pareció una pavada hacer eso. Eso es lo que pasa siempre, hay determinados temas de lo que sólo se habla en determinadas ocasiones, en fechas dedicadas a su conmemoración. La semana pasada sentada en el piso de la facultad volví a ver colgada una foto de Julio López, dos días más tarde en el trabajo un compañero llevó un panfleto sobre la reconstrucción del centro clandestino de tortura, “El atlético” y el jueves vino Manu Chao a refrescarme los pensamientos con su visita por Buenos Aires, demasiados motivos para que hoy escriba sobre nuestra realidad.
Estaba en pleno recital de Manu Chao cuando de repente reaccioné por un tema que cantó, que a pocos metros donde nos estábamos divirtiendo nosotros había funcionado un centro clandestino (la ESMA)y como consecuencia me sentí mal, con una impotencia y un rencor impresionante y me sentí aún peor cuando recapitulé que es siempre mediante alguna manifestación artística cuando yo reflexiono sobre la realidad. Son las únicas que me ayudan a no olvidar en qué sociedad estoy viviendo. Las únicas que me ayudan en mi lucha por no convertirme en una joven burguesa preocupada porque no llegó a comprarse nada esta última liquidación.
Me tuvieron que robar dos nenes en pleno centro porteño para empezar a ver a todos los chicos que, como sociedad, fuimos abandonando permitiendo que duerman en las calles y que se droguen porque no pudieron conseguir un techo o algo para comer. Les impusimos ese lugar desde que nacieron. Dejamos que se eduquen en la calle y que mueran por la droga.
Tuvieron que suceder cosas como la desaparición de Julio López, cuando ya creía que vivíamos en una sociedad libre de asesinos, se tuvo que producir una amenaza de bomba en el museo MALBA que no dejó que se estrenara la película “Gaby, la montonera” sobre la historia de la dirigente de Montoneros Norma Arrostito, protagonizado por Julieta Díaz, donde la proyección fue interrumpida por la Policía después de mencionar , según fuentes de la organización, una serie de "desperfectos técnicos" que impedían su continuidad.
Otra vez más me desilusiono. Me engañaron. Yo misma me engaño creyendo que la represión ya terminó. El pasado está más presente que nunca. Ellos caminan por estas calles con total impunidad, a la gente se la sigue tragando la tierra (por tortura, por prostitución o por venta de órganos) y yo, más egoísta que nunca, no hago nada. Somos culpables, somos totalmente responsables de lo que nos sucede como sociedad. “Asesinos de conciencia devuélvanos la primavera” dijo Manu Chao mientras daba su recital, no dejemos que se apropien de nuestros pensamientos, de nuestros sentimientos más profundos.
Si es necesario volver a ver aquella película o escuchar esa banda o leer aquel libro que te reviva la conciencia. Hacelo! Hagamos algo para recuperar nuestra conciencia social y así poder ayudarnos entre nosotros, nuestros hermanos nos necesitan y nosotros a ellos. Por nosotros, por nuestras generaciones futuras, hagamos algo.”Algún día volverá la primavera, y el imperio caerá”

2009-03-01T08:07:00.000-08:00

HITCHCOCK: EL MAESTRO DEL SUSPENSE

"Existe algo más importante que la lógica: la imaginación"

Alfred Hitchcock

Hablar del Sr Hitchcock no es tarea fácil, dado que es uno de los grandes maestros del cine. Hitchcock es aquel hombre que ha filmado mejor el miedo, aquel que supo diferenciar la sorpresa del suspenso con una categoría inigualable.
Según él, los momentos privilegiados de una película son aquellos que la memoria retiene, entonces las suyas son obras privilegiadas, basta con cerrar los ojos para recordar desde el comienzo cada una de sus películas que vi. Desde los títulos Hitchcock cuenta cómo va a ser su película. ¿Quién no recuerda el trabajo que realizó Saul Bass al diseñar los títulos de “Vértigo”? Es como si la película te estuviese atrapando con la imagen, algo fascinante que ocurría a mediados de los 50.
Hitchcock comienza haciendo cine mudo, que según él, es la forma más pura de hacer cine, en Inglaterra donde luego filmaría su primara sonora, hasta que en 1937 visita con su familia Nueva York para entrevistarse con el productor de "Lo que el viento se llevó”. Las condiciones del productor convencen a Hitchcock y se traslada junto a su familia a Estados Unidos en 1939.
En Hollywood comienza, para mí, la mejor parte de la carrera del Sr. Hitchcock, creando obras primas como “La soga” (1948) “La ventana indiscreta” (1954) “Vértigo” (1958), “Psicosis” (1960), “Los pájaros” (1963) entre otras. Con estas películas Hitchcock marca a la historia del cine y sus realizaciones sirvieron de referencia a muchos directores. Basta con ver un capitulo de Los Simpsons para ver la cantidad de citas en homenaje a Hitchcock que hay y cómo influyó sobre la carrera de Matt Groening . Nadie antes y desde entonces pudo filmar el suspenso mejor que él. Truffaut con mucha razón, dice al respecto :”No se contentó con practicar un arte, sino que se empeñó en profundizarlo, en escapar a sus leyes”
Hitchcock deja en claro que no le interesa filmar cosas que se pueden encontrar todos los días "Un buen drama es como la vida, pero sin las partes aburridas".y que tampoco le importa le verosimilitud de los hechos. En el gran libro de Truffaut “El cine según Hitchcock” durante la entrevista, el director dice con respecto a la verosimilitud: “En la escena del bar, en la película “Los pájaros” entre la cantidad de gente que se encuentra ahí, hay una mujer con boina en la cabeza, que es precisamente una especialista en pájaros, una ornitóloga. Está ahí por pura coincidencia. Naturalmente habría podido rodar tres escenas para hacerla llegar de forma verosímil, pero éstas no tendrían ningún interés” Para Hitchcock hacer una película es un juego entre tres: el director, el público y el material
Hitchcock nos enseñó la diferencia entre 15 segundos de sorpresa y 15 minutos de suspenso. Él pone el siguiente ejemplo: “Hay una bomba debajo de la mesa, no sucede nada en especial y de repente: BUM! La explosión. El público queda sorprendido. En cambio si sucedería esto: La bomba está debajo de la mesa y el público lo sabe, probablemente porque vio que el anarquista la ponía. El público sabe que la bomba estallará a la 1 y sabe que es la 1 menos cuarto (hay un reloj en el decorado) La misma conversación anodina se vuelve de repente muy interesante porque el público participa de la escena”Hacer un comentario sobre cada uno de sus películas sería inútil, a Hitchcock hay que verlo y no leerlo para entender por qué se lo llama el maestro del suspenso. La próxima vez que usted tenga ganas de sentir miedo y taparse la cara para intentar no ver, alquile una del Sr. Hitchcock y comprenderá mis admiraciones hacia él

"VickyCristinaBarcelona"

2009-02-23T01:53:00.000-08:00

Allan Stewart Konigsberg nacido en Nueva York el 1 de diciembre de 1935, mejor conocido como Woody Allen, nos vuelve a sorprender con su nueva película “Vicky Cristina Barcelona.”
En esta ocasión el director, guionista, actor y escritor estadounidense se enfrenta a un espacio completamente nuevo: otro país, otra ciudad, otro idioma, neurosis ajenas.
“Vicky Cristina Barcelona” fue escrita y dirigida por Woody Allen y rodada en Cataluña y Asturiqas, desde junio de 2007 hasta finales de agosto. Está protagonizada por los actores españoles Jsvoer Badem Penélope Cruz, la estadounidense Scarlett Jahansson y la británic Rebecca Hall.
La película cuenta la historia de dos amigas estadounidenses: Vicky (Rebecca Hall) una persona muy inhibida y mesurada y Cristina (Scarlett Johansson), sola y sexualmente libre. Las dos se sienten fuertemente atraídas por el pintor carismático (Javier Bardem), quien sigue confundido con su ex mujer, María Elena (Penélope Cruz). Al fin de cuentas los personajes de Johansson, Cruz y Bardem terminan viviendo un triángulo amoroso.
Woody escribió está película en la misma máquina portátil Olympia que tiene desde los 16 años y en la que ha tecleado todos sus guiones ya que no tiene computadora y tampoco sabría cómo usarla, según ha dicho. En una entrevista el director estadounidense declaró: “Quise confrontar dos visiones de la vida muy diferentes: el pragmatismo materialista de los estadounidenses y la exaltación fogosa de los españoles.” Algo que, según las críticas tuvo un muy buen resultado.Penélope Cruz fue nominada por esta película para el Oscar como mejor actriz de reparto. Pese a que aparece en pantalla durante menos de la mitad de la película, el personaje de María Elena es difícil de olvidar. Ella misma ha dicho: "Estoy fascinada con María Elena; el personaje más fuerte y extremo que me tocó interpretar en inglés. Cada vez que sale a escena, desencadena el caos. Vive en un espacio oscuro y se tortura a sí misma. Su cabeza es su prisión. No lo hace a propósito, sino que es el único modo en que puede vincularse con otro ser humano. No quise retratarla como una loca, sino crear una realidad propia y encontrar en ella las justificaciones que ella emplea para comportarse así".
Según el propio Allen, “la película es una carta de amor a Barcelona. Es un drama romántico. Tiene algunas cosas divertidas, pero es mayormente un drama. Me gusta ese tipo de films, me divierto con ellos. Es el momento de hacer no tuve muchas chances de concretar. Mi propósito es mostrar Barcelona igual que muestro Manhattan, muy a través de mis ojos “

¡¡¡QuE ReGreSe el CarNavAl !!!

2009-02-14T17:40:00.000-08:00

Otra familia/se ha juntado nuevamente/y ha tomado los lugares por asalto una vez más/
y así vivimos cuerpo a cuerpo en la comparsa/si esta vida es una farsa/
que regrese el carnaval.
Bersuit Vergarabat.

Otro Febrero más la magia del carnaval pisa el asfalto de las calles de Chivilcoy. Carnaval que relaciona, como ningún otro, los distintos géneros artísticos populares como son la murga y la comparsa. La primera, con una identidad propia y una carga ideológica muy notable; la otra, proveniente del litoral tomando al carnaval de Brasil como modelo.
El carnaval, celebración popular por excelencia, tiene lugar inmediatamente antes de la cuaresma cristiana, (desde finales de enero, aproximadamente, hasta principios de marzo, según el año). Se cree que su origen puede remontarse a las fiestas griegas en honor a Dioniso o a las bacanales romanas, difundiéndose, luego, por Europa y siendo traído a América por los españoles durante la conquista. Se destaca por ser un período de permisividad y descontrol en cualquier parte del mundo, sin importar cultura alguna y diferencias entre los diversos estilos carnavalescos. Es asombroso que a lo largo de la historia el carnaval haya mantenido su esencia, aquello que lo hace ser.
En nuestro país, desde la década del ´40, la murga nace como una expresión artística barrial enraizada en los barrios más tangueros de Buenos Aires. Milongueros, bohemios formaron las primeras agrupaciones murgueras y se lanzaron a conquistar las noches de carnaval, haciendo de éstas una fiesta descontrolada. El tango, vals, pasodoble y milonga continúan marcando hoy, la rítmica murguera. Asimismo se mantiene la presencia de los cantores, bailarines y el inigualable bombo con platillo quién le da vida a la murga.
En cuanto a las comparsas, éstas se inspiran en el carnaval de Brasil. Su origen se remonta a fines del siglo XIX, cuando los cordões (lazos, en portugués) fueron introducidos en Rio de Janeiro y formaron grupos de personas que caminaban por las calles disfrazados de acuerdo a ciertos temas o celebrando el carnaval de forma específica, tocando música y bailando. Los cordões fueron los antecesores de las modernas escuelas de samba que se mantienen hasta el día de la fecha.
Grito una vez más ¡Qué viva el carnaval! Porque es una época de alegría, porque es una fiesta donde se entrelaza toda la sociedad, porque es una fiesta, como se proponía desde los inicios, donde se borran las diferencias sociales, donde por unos días la tristeza se disfraza para complacerse en el carnaval!

¿CÓMO DETERMINAR QUE ALGO ES ARTE?

2009-02-08T06:50:00.000-08:00

Si usted busca la definición de arte en una enciclopedia se encontrará algo parecido a esto: “cualquier actividad humana cuyos resultados y proceso de desarrollo pueden ser objeto de juicio estético”. Aunque la definición no sea errónea, sí puede ser considerada incompleta.
Supongo que nadie en el siglo XIX podía llegar a imaginar que una rueda de bicicleta montada sobre un banco o una alfombra de caramelos dentro de un museo podían llegar a ser considerados arte. La palabra arte entendida como “arte estético” resulta, pues, inadecuada e impropia.

El concepto de arte no es ni universal ni eterno, cambia según las culturas y los tiempos históricos. Además, para entender el significado de las obras se requiere de ciertas herramientas, ciertos códigos…cómo hace uno para entender las pinturas del Quatroccento si no es católico o, en la actualidad, cómo se entiende que un secador de botellas sea considerado arte si nunca escuchamos hablar del dadaísmo o de Marcel Duchamp. Entonces, ¿Qué es arte? ¿Cuándo hay arte? ¿Cuándo algo tiene derecho a ser considerado arte?

Hay teorías desde la antigua Grecia que proponen una definición del concepto de arte. En la antigüedad, el rasgo distintivo del arte era que representara o reprodujera la realidad. Platón en sus escritos trabaja con el concepto de arte como mímesis (imitación) de la realidad y llega a manifestar sus deseos de expulsar a los artistas de las pólis porque consideraba que el pintor no era creador sino que era imitador de lo que los demás producían. A causa de esto, no sabía nada sobre el objeto que estaba pintando y, de este modo, sus obras corrompían el pensamiento de las personas que las veían, salvo que éstas tuvieran el antídoto: el conocimiento del origen de dicha obra. Esta definición del arte como imitación de la realidad vuelve con el hiperrealismo en los años ´60.
Durante el Renacimiento lo que era considerado arte tenía que encaminarse hacia una belleza única. Alberti exigía al pintor que todas las partes de la obra produjeran belleza.
Luego, en la modernidad, se consideró que el rasgo distintivo del arte era la expresión, pero con esta determinación; qué lugar ocuparía todo arte conceptual y racional.
En fin, como decía al comienzo, no hay una definición concreta para la imprecisa noción de arte. El arte es todo aquello que proporciona un alimento espiritual, aquello que llena el alma o deja a uno levitando por un largo tiempo. O no. Haga su propia experiencia, encuéntrese con el arte, contemple, goce, reniegue y reflexione.

“La experiencia del arte es algo enteramente individual, como la del amor o la soledad. Una flecha que lanza un individuo al poner en obra una propuesta, y que sólo llega a su destino si algunos de sus sentidos alcanzan a otro individuo, que se apropia de ellos y los recrea. Sólo entonces da la flecha en la diana. Lo demás es mediación: a veces una auténtica barrera, otras realmente iluminadora” José Jimenez

LA REVOLUCIÓN CUBANA COMO ARTE

2009-01-31T15:20:00.000-08:00

En mis horas frente a la computadora encontré un blogspot que decía lo siguiente “Este blogspot nace con la voluntad de ofrecer un foro para el estudio y la recopilación de películas, que ayude a fomentar una conciencia social de individuos y colectivos comprometidos por una sociedad mas justa” (www.cinesocial.blogspot.com) quedé sorprendida, porque era sobre lo que yo quería escribir esta semana aprovechando el agasajo sobre el 50º aniversario de la revolución cubana.
En 1959 el pequeño grupo rebelde encabezado por Fidel Castro derrocó el corrupto gobierno dictatorial de Cuba. Hoy a 50 años está más presente que nunca. Los medios masivos de comunicación no hicieron otra cosa que recordarla y afortunadamente con la colaboración de importantes delegaciones culturales y de la Embajada del país caribeño, fue presentada la semana del cine cubano que se desarrolló en el cine Gaumont (Cine que recibe el apoyo total del INCAA, donde sólo se proyectan películas nacionales) El mundo de la imagen, por encima de la literatura o la palabra, es el más inmediato y el que permite llegar a un mayor número de gente, sea cual fuere su nivel cultural y poder ver la realidad a través de la ficción es algo que sólo el cine nos puede ofrecer.
El arte nunca es inocente. No existe arte que no represente las tensiones e imaginarios de un colectivo social. Siempre hay que tener en cuenta que todo arte se encuentra ligado a un determinado contexto social y momento histórico.
Hay una pluralidad de cinematografía para ver relacionada con la Revolución Cubana y la emocionante vida de nuestro querido Ernesto, Che, Guevara. Dos, de las películas y documentales para revivir el camino hacia la revolución:
“Diario de Motocicleta” es una película biográfica basada en los diarios de viaje de Ernesto Guevara y Alberto Granado, dirigida por Walter Salles y protagonizada por Gael García Bernal y Rodrigo de la Serna.
La película trata sobre la toma de conciencia del Che, de su concientización social. En el transcurrir de la película se comienza a constituir la identidad del joven Ernesto. El momento en el que el Che comienza a convertirse en El Che, dejando atrás a Ernesto.
“Fidel y el Che” Una película de David Attwood protagonizada por Victor Hugo Martin, Gael García Bernal, Margarita O´Francisco, José María Yazpik, Cecilia Suárez. La película se remonta a 10 años antes de la revolución y muestra el camino y los acontecimientos que llevaron al grupo de Fidel y el Che a concretar la misma en 1959.

“Sean capaces de siempre de sentir, en lo más hondo, cualquier injusticia realizada contra cualquiera, en cualquier parte del mundo. Es la cualidad más linda del revolucionario” Ernesto Che Guevara.

POETAS DE LA IMAGEN

2009-01-28T05:49:00.000-08:00

La Nouvelle Vague francesa es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950.
Fueron precisamente “Los 400 golpes” (1959) de Truffaut , “Hiroshima mon amour” (1959) de Alain Resnais y “Vivir su vida” (1962) de Jean Luc Godard las que representaron el debut de una generación de cineastas decididos a expresar sus propias inquietudes y necesidades
Esta nueva ola de directores que crearon un cine alternativo (frente al cine de Hollywood que era muy fuerte en esa época) tomó verdadera conciencia del lenguaje cinematográfico, de la capacidad de comunicación de la imagen. Fueron los que crearon, en mi opinión, una semiología cinematográfica.
Con ellos se abandonaron los tradicionales melodramas y la elaboración de personajes redondos del cine clásico de Hollywood con el fin de adoptar soluciones afines a las nuevas tendencias literarias. En el lenguaje fílmico hay un abandono de las formas sintácticas y expresivas que ocultaban los procedimientos de la puesta en escena para lograr una narración omnisciente, invisible y realista. Una forma de hacer cine que deja al espectador totalmente encantado frente al film, la historia y las imágenes. Fue en mi caso lo que me llevó a explorar el universo del cine.
Para satisfacer nuestro deseo de seguir esa corriente perturbadora, mágica y emocionante de los `60, llega en la década del `90 el director Hongkonés Wong Kar Wair quien devuelve al panorama cinematográfico una revisión postmoderna y oriental de aquel estilo de cine.Un director con una visión poética de la vida, un llamado "poeta de la imagen” que desea retomar los viejos conceptos de un movimiento vanguardista.
Debo confesar que “Con ánimos de amar” (2000) y “2046” (2004) ambas de Wong Kar Wai repercutieron en mí durante un buen tiempo, lo que me llevó a verlas indefinidamente. Uno se hipnotiza frente a la imagen desde los títulos (y esto no es exageración), es fascinante la atmosfera que crea Kar Wai, la armonía que hay entre la música, la imagen y la narración en sus films.
Un modo sutil, platónico, intimo de mostrar el acercamiento entre dos personas. Siempre expuesto a través del lenguaje corporal, a través de las imágenes y no del dialogo.
Además de sus largometrajes, Wong Kar-Wai tiene dos cortometrajes, uno de ellos de cincuenta minutos para el proyecto de tres cortos eróticos “Eros” basados en una misma temática, el erotismo y la sensualidad. "La mano", de Wong Kar Wai “El peligro truco de las cosas” de Michelangelo Antonioni y “Equilibrio” de Stephen Soderbergh. Algo sobrenatural, tres directores de esa dimensión reunidos en un mismo film, algo asombroso pero afortunadamente real.

MARCEL DUCHAMP en Buenos Aires!!

2009-01-18T16:03:00.000-08:00

Son los últimos días de la asombrosa muestra que hay en Fundación PROA del gran artista Marcel Duchamp. La muestra cuenta con más de 140 obras del artista francés que revolucionó el " ARTE" contemporáneo.

Para más info sobre la muestra: http://www.proa.org/

Si querés saber más sobre Marcel Duchamp lasituacionesdramatica@hotmail.com

UNA VUELTA QUE HAY QUE DAR

2009-01-17T03:31:00.000-08:00

A partir de la huella escrita que trazó Carlos Pais, llegó a Chivilcoy el teatro rodante con la obra “Hay que vivir y dejar vivir” bajo la dirección de Andrea Peluso y Maru Cazenave.
Una puesta en escena asombrosa, como espectador uno no sabe si deriva directamente del texto dramático o si las directoras tomaron el texto como un material más de la obra. Cual fuera el caso la construcción que se generó fue de una teatralidad extrema.
El mensaje no se exterioriza sólo a través del texto dramático sino que también se exterioriza a través de los signos que constituyen la representación. La redundancia es la característica teatral que mantiene relación directa con el aspecto comunicativo del espectáculo, la transmisión del mensaje y su recepción por parte del público. La obra no es sólo una exposición de informaciones o significados, sino que también es un medio de comunicación. Mediante la redundancia se evita la lectura neutral. Existe redundancia en el discurso de los personajes, la escenografía, el vestuario, la gestualidad, la música, la iluminación, en todo aquello que esté sobre el escenario. La redundancia hace legible los signos y su traducción escénica y receptiva.En “Hay que vivir y dejar vivir”, se ve como los sistemas de signos expresados en diversas formas escénicamente generan redundancia permitiendo su lectura.
La escenografía, compuesta por un colectivo de línea ( también se puede considerar a la ciudad como parte del decorado y hasta al publico mismo como objeto concreto de la escenografía ya que todo lo nombrado situaba al espectador espacial y temporalmente.) limitaba el movimiento escénico del actor que fue capaz de expresarse en un lugar demasiado reducido como era el pasillo del colectivo.
Con respecto a la música tuvo una función contextualizadora, se escucharon unos tangos antes de que empiece la representación como si fuese música puesta por el chofer y la iluminación era muy naturalista ya que estaba dada por los ocho fluorescentes del colectivo.
Creo que el foco de atención estaba en el personaje y en el trabajo del actor. Al ser un unipersonal, el actor no tenía ningún objeto más que el mismo para desenvolverse. Toda la apariencia del actor tanto el maquillaje, el vestuario y el peinado acentuaron el sentido de la obra y reforzaron el mensaje
Siguiendo a Barthes, puedo afirmar que el vestuario del actor manifestó el gestus social de la obra. Se le asignó al vestuario un papel puramente funcional, más que plástico o emocional. No tuvo la función de seducir a la mirada sino de convercerla. El vestuario comunicaba ideas, su forma de vida, sus sentimientos y “el vestuario que se inscribe en la piel se vuelve maquillaje”, el maquillaje viste tanto el cuerpo como el alma de quien lo lleva; de ahí su importancia estratégica para el actor.
Hay un ir y venir entre la palabra y el gesto. Sixto tenía un tono de voz alto con un vocabulario muy acotado. La expresión lograda a través de sus palabras y su gestualidad fue estupenda. Cuanto más tiempo transcurrió en escena, mas fácil era descubrir el mensaje que nos quería dejar el personaje.
En resumidas palabras citando a Arthur Miller “El teatro no puede desaparecer porque es el único arte donde la humanidad se enfrenta a sí misma.”

REVOLUCIÓN ARTÍSTICA EN CHIVILCOY!!

2009-01-17T03:22:00.000-08:00

Afortunadamente algunas cosas están cambiando. Un mes atrás llegué a Chivilcoy para pasar mi fin de semana y encontré novedades que siempre anhelé para mi ciudad. La Agrupación Artística con un grupo a cargo de Daniel Posik había cortado la calle con el fin de estrenar la obra callejera: “Volvé, Jorge” Sí, leyó bien, el teatro callejero llegó a Chivilcoy. Algo que sólo se veía si algún grupo de Circo/Teatro pasaba casualmente y se asentaba sigilosamente una tarde en la plaza. Feliz seguí el camino hasta casa pasando, como de costumbre, por la plaza principal y ví que en el Concejo Deliberante, el grupo teatral independiente TRAC estaba dando una obra de Oscar Wilde. Al entrar me dijeron que la sala estaba llena y que debería haber reservado. Retrocedí y recordé cómo eran las salas apenas cinco años atrás en las cuales luego de seis funciones ya no se esperaban salas completas ni había que preocuparse por reservar. Increíble que el Concejo Deliberante se transforme en una Sala teatral y que haya crecido de esta manera el teatro de la ciudad. Sin embargo, me hicieron un lugar y quedé encantada con la puesta en escena poco convencional, la forma de realizción de los personajes y la transformación del lugar escénico
Esto no es todo, llegué a casa y mamá me dio un folleto que Maria I Puppo ( Integrante del grupo Arte x Arte, coordinado por Daniel Muchiut) le había dado para mí. Fotos, instalaciones, bandas y como propuesta principal la interacción con el público en la exposición: “Gente que dura una noche” Aunque la gente todavía tenga miedo de hacer girar una rueda o ponerse una careta es increíble que se incite al público a relacionarse activamente con la obra. Es fantástico ver como se rompe con el esquema tradicional expositivo en el que el público recorre las salas pasivamente.
Además, la sede de un partido político donde funciona un Centro Cultural se convirtió en una sala de teatro con el elenco Los Mingas, que tuvieron ocho meses de funciones ininterrumpidas a sala llena. Hoy el Centro cultural Casa del Pueblo se transformó en la parada de un colectivo que tiene un recorrido extraordinario con la Obra “Querer y dejar vivir” con la actuación de Coto Vega. Recuerden reservar boletos!!!
Me levanto de mi butaca para aplaudir de pie estos cambios.

" El trompo metálico"

2008-11-23T11:52:00.000-08:00

En cartel....No se la pierdan!!!!

TEATRO DEL PUEBLOAv Roque Sáenz Peña 943 Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfono: 4394-2639
Web: http://www.teatrodelpueblo.org.ar

Sinopsis:
"Libros apilados hasta el infinito. Una mesa que reúne para distanciar. Una familia juega a ser una familia. Lo primordial, el conocimiento. La crueldad y la intransigencia vestidas de gala. Corazones anestesiados. Deseos que se susurran. En el borde, una niña con los estigmas del rigor y la intemperancia. Una familia apocalíptica, presa de un paradigma cultural lleno de contradicciones. La decadente pretensión del deber ser presagia su extinción." www.alternativateatral.com

ATENCIÓN....LA INFORMACIÓN SIGUIENTE ES DEMASIADO METICULOSA Y QUIZAS NO ESTÉ LO SUFICIENTE ORGANIZADA...DISCULPEN LAS IMPERFECIONES

Que lo disfruten

El Teatro se constituye bajo diversos sistemas de significación que integran su práctica.
En el espacio escénico todo se ve y se percibe como signo, ya sean naturales o artificiales, la pluralidad y la diversidad de los mismos que conlleva el acto espectacular es inmensa. Estos signos están sujetos a fines específicos. Una de las características del signo teatral es la redundancia.Desarrollaré entonces el concepto de la redundancia del signo teatral en la puesta en escena de El trompo metálico. Esta característica mantiene relación directa con el aspecto comunicativo del espectáculo teatral, la transmisión del mensaje y su recepción por parte del público. La obra no es sólo una exposición de informaciones o significados, sino que también es un medio de comunicación.
Lo que hace la redundancia es evitar la lectura neutral. Existe redundancia en el discurso de los personajes, la escenografía, el vestuario, la gestualidad, la música, la iluminación, en todo aquello que esté sobre el escenario. La redundancia hace legible los signos y su traducción escénica y receptiva.En El trompo metálico, se ve como los sistemas de signos expresados en diversas formas escénicamente generan redundancia permitiendo su lectura.La escenografía nos sitúa en una sala de una mansión venida a menos que añora el conservadurismo de comienzos del 1900. Todo transcurre allí, en el interior de ese lugar. Los objetos escénicos cambian su función al subir a escena. La cotidianeidad que podría aparecer en ellos sale, y entra la espectacularidad. Sus funciones cambiarán a partir de lo que allí suceda, serán resignificados por el director, autor, actor y espectador.

La disposición de la sala es un escenario con una caja a la italiana sin bambalinas a los costados que tiene salidas solo al fondo del escenario. El público se ubica en gradas modernas y rojas que contrastan con el resto de la sala que es negra. El edificio teatral es un edificio antiguo que fue adaptado para que funcione como teatro.

Iluminación:

La iluminación acompaña constantemente la comunicación de la obra. Aún cumpliendo su principal función de dejar ver el hecho teatral, reforzará situaciones dramáticas y creará climas ambientales y atmósferas. Al comienzo de la obra hay una iluminación de tintes medios para transmitir neutralidad y tranquilidad en el espacio. Cuando Magdalena y Catalina practican las fotos reciben una iluminación frontal, perdiéndose así el resto de la puesta en escena. Para los cambios de actos se realizan apagones. En los momentos que los tres protagonistas están en la sala y comienzan a bailar se encienden los candelabros para cambiar el clima. Es como si se remontaran a aquel tiempo que tanto añoran.
La iluminación toma un tono más rojizo en los momentos de tensión dramática, como cuando Ricardo se abusa de Catalina mientras bailan el vals, produciendo un efecto en el espectador y en la construcción emocional del espectáculo. La iluminación se centra en ellos que están en proscenio y oscurece todo el resto de la escena. Este clima se irrumpe con una cachetada que Ricardo le da a su hija y simultáneamente, de manera abrupta, la luz vuelve a los tonos neutrales.
Es muy interesante la iluminación en la escena cuando mientras los padres a la derecha del escenario discuten sobre la educación de su hija con una iluminación focalizada en ellos y el resto en penumbras, vemos como Catalina acostada sobre la mesa empieza a jugar con sus piernas hasta llegar a la masturbación. Hay una iluminación en ducha que se va incrementando acompañando la evolución del personaje hasta la irrupción de los padres con lo cual vuelve la iluminación neutral de la sala.
Después de un apagón, aparece Catalina con una torta de cumpleaños en las manos. Es la única iluminación de la escena. Lo único que debe ser iluminado es ella, lo demás pierde importancia en ese momento. Es su momento, aunque dura unos pocos segundos porque ni bien termina su propio canto, Magdalena se encarga de encender todas las luces de la sala.
En la última escena, el padre le pide que deje de jugar con el trompo porque al estar arrodillada se ensucia el vestido. Entonces ella decide sacárselo, cuando lo hace todo se oscurece, se enturbia, tal como sucede con la situación dramática. De esta manera, la iluminación refuerza el mensaje. Después de que sus padres abandonan la casa, Catalina queda llorando y la luz se centra en ella, quién decide marcharse y al ir tomando sus cosas y desordenándolo todo, la luz la acompaña y se incrementa con la acción. El sector del pizarrón con el mensaje “Me voy a Oriente”, quedará iluminado cuando culmine con un apagón el resto del escenario al finalizar la obra.

Música:
La música, desde el momento que entramos en la sala es una música clásica, conservadora, aristócrata, una orquesta de violines. Luego durante toda la obra, la música en tanto signo nos demuestra el status social de la familia. Cuando comienza la obra, vemos a Catalina cantando su solfeo. La música vuelve a aparecer cuando se produce el apagón para el cambio de acto. Más adelante, la música del vals suena desde un grabador que no está en escena. En todo momento que aparece la música, lo que hace es reforzar el status social de la familia y el conservadurismo.
Es menester destacar que, en el momento en el que Ricardo está en la sala jugando con su avión de papel, de fondo hay una música clásica, pero que no son los delicados violines que se venían escuchando, sino que suena un piano. Es importante destacar esta diferencia instrumental, porque tanto como los instrumentos son diferentes, también lo son los personajes, y es esto lo que quiere resforzar Heidi Steinhardt al elegir dos temas clásicos pero con diferente instrumentación.
Al final de la obra cuando Catalina se rebela y se marcha, la música acompaña y se incrementa junto al ritmo de estas acciones.

Actuación y corporalidad:
La actuación y corporalidad acompañará todo el tiempo reforzando el status social: la manera de caminar, la postura rígida de los padres, sus gestos, la manera de mover sus brazos, la danza característica de la época a la que añoran, tanto el vals como el baile que Catalina debe aprender.La apariencia de los personajes, tanto el maquillaje, el vestuario y el peinado, también son signos que hacen a esta redundancia teatral. Resfuerzan el mensaje, el status, la rigidez y el conservadurismo de los padres y la ingenuidad y pureza de la chica.En El trompo metálico, toda la materialidad de los significantes visuales es duplicada por el discurso. El discurso de los personajes y el tono de los mismos acentúan el sentido de la obra teatral.

Simbolos- Iconos - Indices:
La puesta en escena representa el mundo exterior por medio de iconos y lo expresa indicial y simbólicamente. El icono proyecta y materializa la imagen del mundo posible. El índice y el símbolo cumplen funciones diegéticas e interpretativas. Estos iconos, índices y símbolos pueden ser mutables, o sea que perdiendo su sustancia para adquirir otra, esta es la característica de la mutabilidad.Partiendo de los conceptos de redundancia y mutabilidad, analizaré los signos correspondientes a la expresión de las actrices y sus apariencias, describiendo las funciones indiciales, icónicas y simbólicas en Catalina y Magdalena.Magdalena, la madre, usa un tono de voz rígido, fingido, queriendo aparentar más de lo que es, quiere estar a la altura de Ricardo. Utiliza un vocabulario elevado para lo que luego sería su verdadero nivel intelectual y entorno social. A medida que avanza la obra esto se devela a través de sus palabras y su gestualidad, cuanto más tiempo transcurre en escena, vemos en realidad cuan bruta es. Por ejemplo, cuando reflexiona sobre la fábula y llega a decir que soñar es algo propio de los gauchos, cuando pierde sus modales al comer y llega a escupir mientras habla.
La gestualidad acompaña además sus palabras y es un índice de comportamiento, de sentimiento. Hay un ir y venir entre la palabra y el gesto. Magdalena al comienzo de la obra tiene gestos y modales muy conservadores que hace creer al espectador que ella realmente es así, pero con el desarrollo del suceso teatral, conocemos a la verdadera Magdalena mediante estos índices gestuales y sociales en la desestructuración de sus gestos y en la manera de dirigirse a su hija y a Ricardo.Los símbolos mantienen principalmente una fuerza visual y luego verbal. Es importante destacar que operan por connotación y no por denotación Magdalena es símbolo de la ordinariez y además constituye un símbolo verbal, a través de la reiteración de ciertos enunciados, por ejemplo cuando repite constantemente que su hija es una soberbia, el espectador capta que ese enunciado connota un sentido que trasciende el denotativo, que en realidad todo lo que dice de y hacia su hija lo dice refiriéndose a ella. una Una función icónica verbal aparece cuando comenta su pasado y su deseo de volver a su patria, porque nos permite proyectar y expresar hechos que no son representados en escena.
Los movimientos escénicos de las actrices son muy contrastantes, mientras Magdalena se mueve con pasos cortos y firmes como símbolo de autoridad, Catalina se desplaza por el escenario con pasos más sueltos y, a veces, salticando. Otra diferencia significativa es cuando alguna se ubica a proscenio, porque toma más importancia que la otra.
El espacio escénico también funciona como signo en la puesta en escena. Catalina en la escena del juego (tutti-frutti), se ubica del lado izquierdo y los padres se ubican del derecho, esta posición simboliza la oposición entre ellos, la autoridad de la derecha versus la rebeldía de la izquierda.

Apariencia de los personajes femeninos:

Con respecto a la apariencia de este personaje podemos decir que tanto el maquillaje y el vestuario son sobrios, oscuros, conservadores y opacos, índice del status social y adultez. Pavis dice: “el maquillaje viste tanto el cuerpo como el alma de quien lo lleva” y tal como se describe Magdalena según su apariencia es como es ella interiormente: sobria, conservadora, oscura. Su peinado es recogido y rígido.
Tiene un abanico con encajes que acompaña a sus gestos y funciona como índice social.
Luego su vestuario evoluciona al final de la obra cuando ella aparece con un camisón y por encima una bata lila de raso con plumas, también típico de la época, pero es algo mucha más suelto.
Siguiendo a Barthes, puedo afirmar que el vestuario de las dos actrices manifiesta el gestus social de la obra, cumple un rol puramente funcional y ésta será de orden intelectual, más que plástica. Mediante el vestuario se une el sentido de la obra con su exterioridad, funciona como argumento y no está aplacado por las enfermedades descriptas por Barthes de verismo, estética y dinero. El vestuario cumple en El trompo metálico su función de signo, con sus respectivas funciones simbólicas e indiciales.
Con respecto a Catalina, ella utiliza un vocabulario elevado, con mucha carga intelectual y un tono juvenil conforme a la edad que tiene. Éste funciona como índice social y nos muestra la forma de como fue educada, a que clase social pertenece. Mediante sus discursos, sus gestos y mímica del rostro, que funcionan como índices gestuales, entendemos que Catalina tiene una escala de valores, principios y objetivos muy diferentes a la de sus padres y una visión del mundo mucho más ingenua de la que ellos tienen, permitiéndome contextualizar la situación. Catalina es símbolo de pureza, de perseverancia.
Durante la reflexión sobre la fábula se presenta una función icónica verbal, dado que mediante su discurso se puede materializar y proyectarnos la imagen. En el momento que se saca el vestido, para no ensuciarse y le dice al padre: “Yo quería que estés orgulloso de mí”, hay una función simbólica visual y verbal, ella nos dice algo que está entre líneas, como si sacarse el vestido y entregarse al padre sería el último recurso que tiene para que la humillación deje de existir, para que el padre esté orgullosa de ella, al menos como mujer.
Con respecto a la apariencia de Catalina se puede decir que el vestuario, ese vestido blanco, las zapatos de danza, sus medias de laycra y su ropa interior son índices de la época y acordes a su edad. El vestuario es símbolo de pureza. Luego, evoluciona al final de la obra con el piloto y el sombrero. Su maquillaje es muy natural, índice de la edad y símbolo de lo fresca, pura y cálida que ella es. Su peinado suelto con rizos armados típico de aquella época es símbolo de libertad, de no querer estar oprimida, tal como lo demuestra el pelo de su madre.

Carla Tomasini.

Ficha técnico artística:
Autoría: Heidi Steinhardt Actuan: Greta Berghese, Carla Pessolano, Diego de PaulaEscenografía: Alberto Diaz Navarro Diseño de vestuario: Kinucha Mitre Diseño de luces: Roberto Traferri Asistencia de escenografía: Federico Salcedo Asistencia de dirección: Nicolás Deppetre, Carla Pessolano Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin Producción ejecutiva: Federico Salcedo Dirección: Heidi Steinhardt

2008-11-20T16:08:00.000-08:00

Un sitio donde poder escribir mis primeras indagaciones criticas acerca del cine, el teatro, la música y las artes plásticas.

A partir de la semana que viene algo, que al menos yo, estaba esperando.